ALEX VACCANI

CHAD WHITE - Styling

2011-12-31T01:38:00.001-08:00

REGAL SAFARI - Styling

2011-12-31T01:18:00.000-08:00

TM DAVY - Interview

2011-12-31T01:13:00.000-08:00

TM Davy, col suo stile classico e con ottima estetica, crea dipinti che raffigurano momenti magici di intimità privata, quotidiana e segreta. Alla luce del suo recente matrimonio, esplora l'idea dell’eternità e della tradizione classica matrimoniale. Da qui, il titolo della sua recente mostra, terminata a Berlino; Epithalamium. Il nome si riferisce ad una forma di poesia, scritta per una sposa in cammino verso la stanza nuziale. Alla prima impressione, il lavoro è disarmante ed invadente, essendo i dipinti profondamente personali è come se ci venisse aperta la porta della camera da letto o della privacy di TM facendo in modo che il voyeurismo diventi centrale nella fruizione di questi quadri, che interrogano, provocano e complicano in modo onesto il nostro linguaggio visivo esistenziale.

Mi parli di Epithalamium la serie di quadri che hai recentemente esposto?
I dipinti di Epithalamium sono stati tutti realizzati nell’ultimo anno, fino alla mostra all’Exile di Berlino. Principalmente li ho fatti durante l'estate quando mio marito, Liam, era libero di sedersi per me quasi tutti i giorni. Penso che siano una sorta di raccolta di quel tempo trascorso e della nostra relazione. Trattengono molto di quello che ho provato e pensato durante quest’anno ormai concluso.

Solitamente l’epitalamo è una poesia scritta per la sposa, come mai hai deciso di chiamare questa mostra con questo nome?
Quest’anno sono stato una sposa o una sposa-sposo, con Liam ci siamo sposati all’inizio dell’estate e durante quei mesi ho pensato molto seriamente all’amore e al concetto di matrimonio. Credo che il genere sposa/sposo sia qualcosa con cui volevo giocare, anche se credo che non si debbano assumere ruoli. Sono molto più interessato all’anima/animo all’interno delle identità assunte. Il primo quadro che ho creato quando abbiamo deciso di sposarci era un autoritratto col velo da sposa. Quel quadro non è stato esposto a Berlino, ma è con lui che ho iniziato i miei grandi pensieri sulla tradizione del matrimonio, su dove ne avrei potuto tirare fuori qualcosa di significativo, e dove la tradizione avrebbe potuto provocare qualcosa in me. Nessuno di noi era interessato all'idea di essere semplicemente tradizionali, così, come accade per gran parte del mio lavoro, abbiamo abbracciato e contemporaneamente rifiutato le tradizioni matrimoniali, abbiamo cercato attraverso varie storie di vedere se ci fossero stati dei punti di partenza che avrebbero potuto echeggiare. Abbiamo voluto essere fedeli all'idea che l'amore omosessuale non è improvvisamente più reale, perché il nostro stato lo permette, volevamo rendere omaggio a tutti i grandi amori che ci hanno preceduto, nonostante la legge. Parte di questa ricerca ci ha portato a Saffo, la poetessa della Grecia antica famosa per i suoi epitalami e la sua omosessualità. Mi sono innamorato delle sue poesie, sentivo che c'era un dialogo tra le mie idee e i suoi frammenti pittorici antichi e misteriosi. L'entusiasmo del suo lavoro nel testimoniare l'unione sessuale degli sposi ha convinto il mio istinto a creare il quadro il "missionario" e il "marito nudo". Volevo vedere se potevo dare a quei soggetti una maggiore risonanza esistenziale, e rendere le sue poesie visive, offrendoli al fantasma di Saffo.

Quindi leggi molte poesie? Che libri hai letto di recente?
Ovviamente. Sono stato piuttosto ossessionato da Saffo, in particolare la traduzione di Ann Carson di If Not Winter. Ho anche provato a musicare mettere alcuni degli epitalami di Saffo in canzoni all'interno di una scala Misolidia, che potrebbe essere stata anch’essa un'invenzione della poetessa greca. Leggo un sacco di poesie. Penso che abbiano spesso un modo di stimolare il presente con strani e meravigliosi fantasmi. Non leggo solo Gertrude Stein o Frank O'Hara. Le ho lette, ed ora sono in qualche modo parte di me. Posso leggere la versione di ogni poesia di Walt Whitman, lo adoro. Leaves of Grass è una sorta di opera profetica in molti modi, e l'America si trova in un punto in cui credo che il suo spirito sia estremamente importante per il discorso contemporaneo.

Amo profondamente i tuoi quadri, sono tranquilli e personali, mostrano così tanto della tua vita. Come vivi i dipinti, come un atto liberatorio, un modo per mostrare te stesso o come un bisogno?
Ti ringrazio. Non so bene cosa sia esattamente quel bisogno, ma certamente esiste. C'è qualcosa nel dipingere che permette il trasferimento e l’invocazione di un enorme sentimento, verso o intorno ad una persona, un'idea e un’esperienza. Ho sempre trovato tutto ciò tremendamente eccitante. Amo la storia dell'arte per questo motivo. Si tratta di un aldilà dell'esperienza umana. Allo stesso tempo, sento che la profondità della mia esperienza nella vita non sia ancora in un quadro o in una rappresentazione. Credo quindi che ci possa essere un bisogno di dare al mistero, all'amore e all’intimità che sono centrali nel mio mondo, un posto pittorico nella vita dopo la morte. Sicuramente c'è qualcosa di liberatorio.

Sei un artista che è in grado di rivelare molto di se stesso nelle proprie creazioni, ma come sei come persona, timido? Solitamente coloro che sono timidi riescono ad aprirsi maggiormente in ciò che creano, è così anche per te?
Non credo di essere timido, ma sono certamente molto introspettivo. Il leone che c’è in me esce sicuramente per i miei inseguimenti creativi. C’è stato un periodo, all’età di venti anni circa, dove ho sofferto di terribili attacchi d’ansia sociale, ma è da quando a New York sono diventato amico di persone dolci, creative ed estreme, è molto più semplice per me aprirmi rispetto un tempo.

Hai mai avuto paura che il comunicare così apertamente i tuoi sentimenti potesse essere fonte d’incomprensioni?
Sempre in ogni quadro o disegno che creo.

Esposizione, voyeurismo e nudità sono alcuni dei temi dei tuoi dipinti. Cosa vorresti dire a riguardo?
Penso che il voyeurismo nel mio lavoro sia una sorta di risposta secondaria o contestuale all’intimità che trasmetto. Nelle opere più recenti, l'intenzione è quella di rappresentare qualcosa di molto personale e la nudità ne é spesso parte. Questo spazio può dare allo spettatore la sensazione di essere un voyeur. Penso che ci sia anche qualcosa nel lavoro che permette di entrare in relazione con il soggetto, una volta che quella sensazione d’intrusione è superata. M’interessa quella tensione, la preferisco ad un lavoro facile e passivo. L’esperienza intima non è mai facile o passiva.

Dove trai ispirazione per le tue opere?
Le idee per i miei lavori sono una sorta di archetipi di momenti che tendono a ripetersi più e più volte, sia nella mia memoria che nella realtà della mia quotidianità. Se accadono, allora so che possono essere contenuti fino al rallentamento del tempo nella pittura, dando quella sensazione che l'immagine esista al di fuori del tempo.

Di solito quanto tempo impieghi a finire uno dei tuoi quadri?
Non lo so. Davvero. La gente me lo chiede spesso, ma è difficile dirlo con esattezza, a volte giorni, a volte settimane o mesi. A volte c'è una lotta, a volte non c’è. Sono costantemente al lavoro, e non ho il senso del tempo.

Hai bisogno di lavorare in un determinato ambiente?
Lavoro dove vivo, e penso che sia diventato abbastanza importante per me. Mi piace come il tempo trascorso a dipingere la mia vita sia entrato in loop con la mia vita reale. In un certo senso sono completamente inseparabili. Posso fare un quadro onesto quando sono in viaggio per motivi onesti, ma andare da qualche parte con la seria intenzione di fare arte lo vedo come qualcosa di completamente ipocrita.

Mi parli del processo pittorico e delle tecniche? Dipingi utilizzando la memoria, fai una copia dal vero o utilizzi delle fotografie?
Dipingo traendo dalla vita, dalla memoria, e a volte utilizzo fotografie, anche se non ho mai contato troppo su loro. Davvero, ogni dipinto è una combinazione tra osservazione ed impressione, attraverso un ricordo o un sentimento con un'intuizione costruttiva, poi aggiungendo ciò che si coglie attraverso il tempo trascorso osservando il reale. Le foto non seguono la reattività dell’osservare, né consentono scoperte attraverso il tempo, ma possono aiutare a ricordare alcuni elementi la cui impronta è più lunga della durata dell'azione. Il mio gatto è molto pigro, così è il modello perfetto per la maggior parte delle opere, ma a volte un gesto di una zampa è difficile da ricordare. Così, foto e memoria possono funzionare insieme. A questa domanda è davvero quasi impossibile rispondere, dovrei chiederti di passare una settimana nel mio studio. Il processo cambia tutte le volte.

Ricordi il momento in cui hai deciso che la pittura sarebbe stata la strada che avresti voluto percorrere?
Non lo so. Ho un primo ricordo della scuola materna, avevo tre anni e mezzo e la bambina che mi sedeva accanto mi ha mostrato come disegnare un albero. Per qualche motivo, devo essermi sentito sopraffatto dal grande compito e i suoi alberi sembravano abbastanza belli, ma poi ricordo che una volta tornato a casa guardando un albero vero, ho provato un forte sentimento di tradimento verso la bambina che mi aveva ingannato. L'albero reale era molto più interessante del disegno. Quella sensazione, bloccata in me, si è ripetuta molte volte, avanti e indietro nell’essere selvaggiamente colpito da un'opera d'arte, e poi scoprire che osservarla attraverso la mia esperienza la rendeva ancora più ricca. Caravaggio era la mia ossessione adolescenziale, ma i giovani erano ancora più belli nella vita reale che nei suoi dipinti. Così, sono diventato molto bravo a disegnare alberi e giovani uomini.

Chi è il tuo spettatore ideale?
Mi piace la risposta che ha dato Felix Gonzales Torres ad una domanda simile a questa, chiesta da Rob Storr. "Il pubblico è stato Ross. Il resto della gente era appena uscita dal lavoro". Provo lo stesso. Forse, è come se stessi davvero facendo questo lavoro solo per me e Liam, e forse per una cerchia di amici intimi. Quando Liam pensa che il mio lavoro sia buono, c'è qualcosa che altre persone riescono a cogliere. Cerco di abbassare la guardia il più possibile, così mentre a volte considero la miriade di modi in cui il mio lavoro può essere percepito, cerco di preoccuparmi di esprimere sincerità. Mi auguro che lo spettatore sia in grado di capire, come il gesto sincero sia anche un modo per provocare anche un discorso contemporaneo. Mi piace come è totalmente uncool un gesto. Non m’interessano i meccanismi di difesa.

C'è omosessualià in gran parte del tuo lavoro, me ne parli?
Penso che l'idea di un lavoro che viene classificato come erotico, e poi ulteriormente classificato come omo-erotico, sia un modo di separarlo da un discorso artistico più centrale. Mi piace evidenziare l'ovvio, cioè temi erotici che sono centrali per l'esperienza umana e possono portare ad una maggiore complessità di questa esperienza. Molte persone si sentono a disagio quando si parla chiaramente di certe tematiche, ma è così.

Come mi hai detto ritrai spesso tuo marito come modello, chi sono gli altri soggetti?
Sì, dipingo mio marito, il nostro gatto, le nostre piante, ed altri vari oggetti domestici che per me hanno significato, oltre ad una cerchia di buoni amici. Ci sono molti di loro che non ho ancora dipinto e che vorrei. Tutti loro sono persone creative che amo.

Ed ami anche il tuo gatto...
Amo il mio gatto, Wyeth. La chiamiamo Wy Wy, perché sembra avere tutte le risposte. Amo le vecchie storie sui fantasmi e Wyeth sembra esserne uno. Nel Levitico, i gay e i fantasmi dovrebbero essere messi a morte. In un’altra epoca, saremmo stati tutti condannati.

Come descriveresti la tua visione del mondo al momento?
Non c’è abbastanza spazio in questa intervista per descrivere la mia visione del mondo in questo momento. In breve, credo che gli Stati Uniti abbiano da tempo consegnato la loro democrazia nelle mani di un’oligarchia societaria affamata di profitti e bellicosa. Credo che ciò sia accaduto in tutto il mondo, con innumerevoli effetti negativi. Credo che la gente se ne stia finalmente rendendo conto. Per quale motivo dipendiamo dal petrolio ? Perché se l’energia solare venisse solidamente introdotta in un modo più rivoluzionario, non ci sarebbe carenza di forniture e l’elite delle multinazionali non potrebbe quindi controllare e beneficiare enormemente della richiesta e delle perdite della gente. La moltitudine può impegnarsi per cambiare tutto ciò. La moltitudine deve esigere che si smetta di spendere soldi per i meccanismi della guerra, impiegando invece quella ricchezza per i meccanismi della pace : tecnologia dell’energia sostenibile, istruzione e assistenza sanitaria in tutto il mondo. Le organizzazioni religiose che controllano le scuole in Sudafrica ma che rifiutano di istruire i ragazzi sul sesso sicuro, che permettono che l’omosessualità sia criminalizzata favorendo così l’isolamento dei gay mentre l’AIDS dilaga, devono sapere che ciò è sbagliato. Mandiamo loro del denaro continuamente. La canapa ad uso curativo è ancora illegale in questo paese e ciò è estremamente frustrante. Molti vecchi maestri hanno dipinto su tele di canapa (« canvas », ossia canovaccio deriva dalla parola « cannabis ») perché è più resistente del cotone. L’unica discreta fornitura di tele di canapa che sono riuscito a trovare è in Cina. Crediamo ancora di essere la patria della libertà. Mi piacerebbe tantissimo che un fashion designer sfrontato e pensante facesse dei vestiti dalla canapa… vestiti che non reclamizzino con alcun logo le foglie di marijuana. Ho pensato di farlo io. Indosserei quei vestiti fino a quando l’abuso di pesticidi e lo spreco di acqua dell’industria del cotone non sarebbe una cosa del passato. Ok, sul serio, non farmi iniziare… credo che abbiamo bisogno di più democrazia, meno oligarchia, più umanità, nessuna guerra.

ECHOES OF MINE - Styling

2011-12-31T01:03:00.000-08:00

ANDREJ DUBRAVSKY - Interview

2011-12-31T00:57:00.000-08:00

Attraverso i suoi quadri Andrej ci seduce. È come se ci prendesse per mano e ci invitasse a viaggiare nel suo mondo dominato dal piacere e dal dolore, da tematiche ambigue, che potrebbero sembrare ingannevoli, ma che invece sono esattamente quello che sembrano. Andrej nella sua arte è come se accarezzasse il risveglio sessuale e la glorificazione narcisistica dell’essere giovane e del compiacimento nell’essere tale, dell'identità e della sessualità maschile, spesso rappresentata attraverso l’elemento chiave della testa del coniglio, che applica spesso a persone ritratte rendendoli così parte del suo mondo. Una sorta di processo di auto-proiezione, di auto-ritratto e sicuramente di auto-esperienze di crescita che continua ad evolversi in modo sorprendente.

Tu sei un artista cecoslovacco, potresti descrivermi com’è crescere in questa terra?
Ci sono solo nato, all’età di due anni, nel 1989, è iniziata la Velvet revolution in Cecoslovacchia, che ha significato la fine del comunismo. Quando avevo cinque anni la Slovacchia e la Repubblica Ceca sono diventati stati indipendenti, e così sono cresciuto nella capitale della Slovacchia, Bratislava. A volte ci chiamavano i bambini della rivoluzione, mentre crescevo la Slovacchia era molto eccitata da tutte le attrazioni del capitalismo. Tutto era nuovo, il primo hamburger da Mc Donald a Bratislava l’ho mangiato quando avevo 9 anni! La Barbie, la Disney, tutti facevano confronti su ciò che era meglio tra comunismo e capitalismo, Slovacchia o Cecoslovacchia.

Sei molto giovane, che mi dici dei tuoi anni da teenager a Bratislava? Hai qualche ricordo divertente?
Quando ho iniziato il liceo era finita l'era techno, io e la mia ragazza eravamo soliti ballare alle feste con i twisted trousers che erano diventati con l’electro e il nu rave poi sono arrivati gli skinny jeans e io sono diventato gay, ho trovato il primo fidanzato, il mio primo amante, il primo sesso, il mio primo tutto, era più grande di me di più di venti anni, molto romantico... Al mio primo colloquio all’accademia sono andato vestito come un nigga hop-hop (ride), quegli anni sono stati molto turbolenti.

Sei molto a tuo agio con te stesso sul web circolano anche alcuni tue foto dove sei nudo...
Puoi anche trovarci dei video (ride)...

Ti ricordi quando hai iniziato a disegnare? Qualche volta capita che alcuni iniziano a farlo per se stessi e lo vivono come una terapia tu?
Quella gran donna di mia madre mi ha messo una matita in mano per la prima volta quando ero molto piccolo, disegnavo le cose che amavo, gli animali del cortile di mia nonna come polli, cani, maiali, gatti ... Volevo essere un biologo.

Mi piacciono i quadri che raffigurano i conigli e i tuoi sono meravigliosi, mi puoi dire il motivo per cui sono diventati un tuo soggetto ricorrente?
Originariamente i conigli dovevano essere una metafora per i ragazzi giovani, la sessualità, l’adolescenza, ma ora è diverso, i conigli non sono così importanti, il dipinto è importante, gli strati di colore, il materiale, la tela, oh Dio amo dipingere!

Come mai la maggior parte delle volte ritrai figure che sono un mix tra coniglietti e umani? Sono sexy, seducenti, misteriose e potrebbero essere spaventose allo stesso tempo, vuoi parlarne?
Sì, sono tutte queste cose. La storia comincia quando metto l'ultima macchia sulla tela, ho bisogno di prenderne un po’ distanza così inizio a pensare al nome del quadro, basandomi sulla sua storia. Come prima cosa devo essere soddisfatto della forma, perché la cosa più importante della pittura, è quello che vedono i tuoi occhi. La pittura è come una trappola, se si è caduti nella trappola di tutti questi colori e linee allora poi inizierai a fantasticare su tutte quelle storie del coniglio.

Le persone che rappresenti nei tuoi quadri sono reali o sono tratti dalla tua fantasia? Non mi sto riferendo ai conigli.
Ho sempre dipinto solo coraggiosi ragazzi reali che fossero d’ispirazione per me. Sopratutto quando voglio vedere qualche ragazzo a torso nudo ed avvicinarmi di più a lui gli chiedo se posso fargli una foto o uno schizzo, sono sempre così nervoso! Sono più nervoso dietro la macchina fotografica, che davanti! (ride)

Da dove trai ispirazione per un dipinto?
Suppongo di essere nato con questa ispirazione ed amore per la creazione, ma devo dire che sono grato a tutti i miei fan e i miei collezionisti. Sono coinvolto in quello che faccio anche grazie a loro. Ho sempre voglia di mostrare qualcosa di meglio rispetto a prima. Non penso però a loro quando dipingo, non sono schiavo del gusto di qualcun’altro ma ho bisogno di un pubblico, di un feedback e di amore!

Ci sono un sacco di ragazzi e di uomini maturi nei tuoi quadri, qual è il loro rapporto? Ci sono anche alcuni macchinoni come Mercedez e situazioni che a volte possono far pensare al cruising, che mi dici?
Sono sempre stato il più giovane nei cruising, il più giovane nelle darkroom, il più giovane alle mostre di gruppo e mi piace! Le auto sono un simbolo di potere del mondo materiale. I coniglietti sono nudi, sono come dei satiri, appartengono a mondi totalmente diversi.

Guardando i tuoi disegni e quadri si può leggere uno stile di crescita anche a livello tecnico, voglio dire, in principio erano più grezzi e violenti ed ora sono estremamente ben disegnati, come pensi si sia sviluppata questa crescita?
Tutto in modo molto naturale

Cosa cerchi sempre?
Cerco sempre le cuffie, le chiavi e la chiavetta USB.

Che cosa ti eccita?
Adoro i ragazzi grassi e più grandi e le isole esotiche.

Che cosa vorresti trovare sotto l’albero di Natale quest'anno?
Vediamo...qualche burro cacao per esempio, o Lady Gaga dentro al grembo con cui si è presentata ai Grammy, potrebbe essere figo per tutta la famiglia!

YOÜ AND I - Styling

2011-10-27T00:55:00.000-07:00

Blake Little - Interview

2011-10-27T00:51:00.000-07:00

Il fotografo Blake Little è conosciuto per aver fotografato la maggior parte delle star di Hollywood quali Tom Cruise, Anne Hathaway, Jeff Bridges, Julianne Moore Kevin Spacey, Vince Vaughn, Renée Zellweger, Glenn Close, Jack Black ed Adrien Brody. Col suo ultimo libro The Company of Men, Blake celebra ed esplora il rapporto visivo che sussiste tra la mascolinità e l’omosessualità fotografando uomini gay con cui si identifica ma che hai suoi occhi non fanno parte del modello gay mainstream. Le fotografie ritraggono soggetti singoli ma la loro intensità viene percepita maggiormente quando si ha l’opportunità di vederle in gruppo. The Company of Men può essere letta come una celebrazione della bellezza maschile, quella meno patinata e rude, che va a contrapporsi con quella dei modelli di Abercrombie, fatta di uomini che abitano in piccole comunità nelle campagne o in piccole città degli States.

Ricordi la prima volta che hai preso in mano una macchina fotografica cosa volevi immortalare?
A 17 anni mi sono scocciato la macchina fotografica alla gamba sotto i miei jeans così da poter passare inosservato dalla sicurezza e fotografare il concerto dei Led Zepplin.

Nel 2008 a Brooklyn alla Wessel + O’Connor gallery mi sono inaspettatamente imbattuto nella tua mostra The Company Of Men e me ne sono subito innamorato, pensa che ho ancora la cartolina della mostra sul mio frigorifero. Quando è nata l’idea di questa serie? Quanto tempo hai impiegato a finire questa collezione?
Ho iniziato The Company of Men nel 2006, ma ci ho messo un anno a concludere e rifinire quello che avevo iniziato. Ho chiuso la serie nel 2010.

Ora sei uscito con un libro di The Company of Men, una raccolta di fotografie che raffigurano la mascolinità gay bear, che hai scattato durante gli anni. Ritengo che il look bear, si sia spropositamente allargato tanto da contaminare anche il mondo eterosessuale, mi riferisco alle camicie a scacchi, i capelli rasati, le barbe, la pancia ... che ne pensi?
Credo che si sia chiuso il cerchio. Alcuni uomini, gay o etero si relazionano agli archetipi della mascolinità, e queste qualità maschili influenzano l’apparenza, il modo di vestire e lo stile di vita. Per me è andato anche oltre il look e la comunità bear. Gli uomini guardano gli uomini e s’influenzano tra di loro. I gay copiano gli eterosessuali e gli eterosessuali copiano i gay. È tutto mescolato. Questa è la cosa migliore del mondo moderno.

Amo la naturale mascolinità ed il lato sexy degli uomini che hai fotografato senza svelare tutto come se fossero stati nudi, inizi così a fantasticare su di loro, chiedendoti chi siano, cosa gli piace, dove vivono e cosa li eccita...
Era esattamente questa la mia intenzione. Devo essere connesso con chi sto fotografando, connesso con la macchina fotografica per essere poi connesso con chi guarda. Ho intenzionalmente eliminato ogni forma di posa. Il soggetto presente e immortalato in quel preciso momento. È una cosa molto sottile e potente. Non c’è niente di più sexy che avere qualcuno aperto, connesso e che sta rivelando se stesso.

Ricordo che, guardando tutte quelle immagini nella galleria, circondato da tutti quegli uomini, ho percepito lo stesso una sensazione d’individualità dei soggetti, nonostante fossero parte di uno stesso gruppo o branco. Come li hai scelti?
Credo sia importante vedere il lavoro come una serie. Molto dell’impatto del progetto viene dal fatto di vedere un grande gruppo d’immagini tutte insieme. All’inizio, ho cominciato fotografando gli amici e poi persone che mi sono state suggerite da fotografare, ma circa dopo un anno ho trovato molti dei miei soggetti su internet basandomi sulle loro foto. Puoi capire molto delle qualità di una persona dalle fotografie.

Parlando di location hai scattato questi uomini nel loro ambiente?
L’ambiente e il senso del luogo sono molto importanti nelle mie fotografie. Ho fotografato gli uomini vicino o intorno a dove si trovavano nel momento del servizio. Volevo che il luogo aiutasse a definire il soggetto ed aumentare l’immagine.

Possiamo dire che questi uomini rappresentano la nuova bellezza maschile?
Con The Company of Men credo di aver mostrato un tipo di bellezza maschile che non è rappresentata nella cultura mainstream. È la mia idea di bellezza maschile

Quanto credi sia cambiato lo stereotipo gay negli anni dal tuo primo libro Dichotomy?
Credo che stia migliorando in alcuni posti ma credo che gli stereotipi gay siano norma nella cultura mainstream. The Company of Men rappresenta un’alternativa all’uomo gay.

T’identifichi con questi uomini?
Sì. M’identifico con loro fisicamente, mentalmente e spiritualmente.

Henry Rollins ha scritto l’introduzione al tuo libro, mi racconti com’è andata?
Ho lavorato cone Henry Rollins nel 2000. Henry ha una grande talento e forza da uomo alpha. È sempre stato pro uomini e pro gay senza tante cazzate. Ho pensato che la sua prospettiva sarebbe stata perfetta per l’introduzione al libro.

Credi che qualcuno che non sia gay potrebbe riconoscere questi uomini come uomini gay o no?
Non necessariamente.

Stai iniziando qualche nuovo progetto?
Sto lavorando al mio nuovo libro. Spero di pubblicarlo nell’autunno del 2013 la prossima estate seguirò un progetto in Alberta Canada dove fotograferò rancher e cowboy. E continuo a fare shooting per editoriali e campagne pubblicitarie per vari clienti.

BASTILLE - Photography

2011-10-27T00:49:00.000-07:00

ERIC SANDBERG - Interview

2011-10-27T00:45:00.000-07:00

Le opere di Erik Sandberg ritraggono figure umane dalle sembianze cammuffate e oscurate da un’enorme manto di peli colorati, così come i vestiti e gli accessori che indossano che sembrano urlare il bisogno di colore e stampe grafiche. La fonte d’ispirazione di Erik è la nostra realtà con le sue dicotomie culturali: il consumismo, la celebrità idolatrata ed il suo impossibile raggiungimento. Erik illustra nelle sue opere gli effetti psicologici ed inquietanti che fenomeni come i social media e la celebrità istantanea hanno sugli esseri umani. I suoi soggetti grottescamente pelosi non sono altro che la manifestazione dell’innocenza corrotta, il pelo come metafora dell’assorbimento del consumismo e del ritorno allo stato naturale. Il talento di Erik è quello di sapere sovvertire le nozioni convenzionali di bellezza e di sapere rendere desiderabile e favoloso ciò che un tempo era sinonimo di “bestialità” ...che possa risiedere ancora in noi?

Sei nato e cresciuto nel Minnesota, cosa ricordi della tua infanzia e dei tuoi anni da teenager?
Culturalmente ed architettonicamente il Minnesota è uno stato banale sopratutto nelle aree periferiche, al contrario Minneapolis è un piacevole contrasto a tutto questo. I laghi del nord sono stati memorabili per i miei momenti di ricreazione la ricreazione.

Ma è così conservativa quanto si dice la periferia del midwest?
Lo era un tempo, è una disparità molto evidente nel midwest, te ne rendi conto quando visiti città come Los Angeles. Credo che la disparità sia il carburante della noia che si manifesta nei party selvaggi intorno ai falò e alla dissolutezza lungo il fiume Apple. Tutto avviene in risposta al caro e pessimo tappeto bianco delle ville a schiera dei nostri genitori.

Dal Minnesota ti sei trasferito a L.A. credi che l’esserti mosso tra queste due diverse realtà abbia influenzato la tua arte?
Sicuramente, il cambio d’ambiente nella vita di una persona non può non influenzare il suo comportamento artistico o sociale. Ero parte integrante della vita del Midwest e poi ho scelto di far parte di quella della città protagonista dei film con cui sono cresciuto.

Hai cambiato l’idea che ti eri fatto di L.A. dal momento in cui ti eri appena trasferito?
Sì. Mi piace di più adesso, Los Angeles è la mia casa ed è davvero una città unica. Abito qui da abbastanza tempo per sentirmi sposato a lei e non più fidanzato. È diventata più brutta e un pochino più cattiva verso i confini, credo sia determinato dalla caduta economica degli ultimi anni. Stavo passando sotto un ponte l’altro giorno e mi sono accorto che stavo camminando sopra circa sette centimetri di merda secca di piccioni, ero sul marciapiede ma sembrava di avere della ghiaia sotto le scarpe.

Hai appena fatto una mostra in Australia, mi racconti qualcosa della nuova raccolta di lavori?
Certamente. La mostra intitolata The New Pretty è incentrata sul rapporto tra la proiezione idealizzata di archetipi e la realtà. Molti dei lavori riguardano le dicotomie trovate tra il consumatore americano e la cultura pop. La mostra è composta da quadri, lavori su carta e sculture.

Mi sono subito innamorato dei tuoi soggetti pelosi, me ne parli? Da dove è nata l’idea?
La genesi del primo bambino peloso risale al 2008. I peli hanno avuto origine da un significato più ampio dell’essere una metafora degli effetti sulla cultura contemporanea, il culto dell’idolo, l’emulazione delle celebrity etc... Mi piace la ragazza obesa che é simultaneamente la vittima del marketing del fast food e della sessualità imposta dalla moda teen. M’interessa mostrare le conseguenze psicologiche di questo in un quadro.

Sono quindi una metafora della bellezza e dell’accettazione del proprio corpo nella nostra società?
Sì. I peli sono il veicolo metaforico degli effetti che il consumo culturale ha sul popolo. Sono sempre interessato alla quantità d’immagini proiettate su di noi quotidianamente. Sono curioso di come queste immagini vengono ad esistere, come descrivono accuratamente la verità e se sono di valore reale.

Mi sembra che il tuo linguaggio artistico sia pieno di diversi materiali, tecniche e strumenti. E’ forse per il fatto che siamo costantemente circondati dalle diversità che che nel complesso creano un insieme?
Sono d’accordo, le costruzioni materiali sono ideologiche. Ho iniziato ad usare strumenti differenti fin dai primi lavori, nel 2008, in una serie intitolata The Equilibrium Of Glamour, quei lavori erano molto più narrativi, con ambienti cinetici che mostravano aspetti mostrano unici del vivere a Los Angeles. Ho cercato di sintetizzare con i materiali i diversi processi, per esprimere qualcosa di nuovo ed integrato. Nei ritratti il materiale usato era più industriale e concettuale, sono stato in grado di esprimere le mie idee attraverso la giustapposizione di materiali che alludessero allo stato interiore ed ambientale del ritratto, senza la rappresentazione di elementi.

I colori hanno un grande impatto nelle tue opere, alcune volte sembrano pure psichedelici e si riferiscono ad una palette di colori degli anni ’80, ma molte delle ragazze pelose sono in bianco e nero mentre i loro outfit ed accessori sono colorati perchè?
I quadri a cui ti riferisci sono stati concepiti poco dopo aver fatto una serie di stampe da negativi cianotipi disegnati a mano. Come risultato del processo chimico di cianotipia il colore delle stampe è diventato un profondo ciano e bianco. Quei disegni fotografici erano più tranquilli, eterei e spettrali. Ho voluto portare quel tono visivo nei dipinti per contrastare i colori attivi dell'ingranaggio del consumatore. Gli effetti della baldoria nella cultura del consumo possono diventare ipnotici come i tra i lampeggianti banner del web, i cartelloni pubblicitari, ed il richiamo luminoso degli astucci dei gioielli a basso costo. Il colore tenue simboleggia le conseguenze dell’essere degradato. Il metodo di stampa alimenta la pittura, di solito per me è il contrario, i dipinti alimentano la stampa.

Come artista è difficile avere sempre nuove idee per le tue creazioni o è qualcosa che ti viene naturale? Mi spieghi come funziona il tuo processo creativo?
Non è difficile trovare idee, ciò che reputo personalmente una sfida è mantenere in crescita il lavoro sia formalmente, concettualmente, ed anche personalmente. Come pittore sono pienamente consapevole del peso della storia e le sfide poste in termini di pittura. Alla fine di una giornata spingere materiali in giro anche se è un totale disastro, mi sembra ancora propositivo. Le idee per lo più sono nate dagli aspetti della vita contemporanea, da messaggi paradossali trovati nella cultura del consumatore americano, dai simulacri del popolo, ed osservando la vita quotidiana che ci circonda.

Che CD ascolti quando sei in studio a creare arte?
Solitamente metto musica in streaming su Groove Shark, Pandora o Museum Pod Casts. Trascorro così tante ore in studio che poi comincio a passare attraverso diversi generi di settimana in settimana, o inizio a guardare un’intera stagione televisiva su Netflix. Ho guardato 9 stagioni di Stargate SG-1 di fila mentre lavoravo alla mia ultima mostra a New York. Negli ultimi mesi mi sto facendo una sana abbuffata di Guns ‘N’ Roses.

Se ti dovessi rappresentare come uno dei tuoi soggetti pelosi in uno dei tuoi lavori che colore sceglieresti e perchè?
Forse il rosso neon, perchè quel colore sarebbe figo mentre si fa rollerblading in spiaggia o nuoto agonistico.

Prossimi progetti?
Attualmente sto seguendo la pre-produzione di una coppia di opere video e una nuova mostra personale dal titolo Down By The River che si terrà presso la Galleria Johanssen a Berlino il 2 dicembre 2011.

Francois Sagat - Interview

2011-10-27T00:36:00.000-07:00

Everyone knows Francois Sagat for his breathtaking body, his tattooed head and his participation in the gay porn and fashion in more than one way. I don’t think he’s just a gay porn superstar, with his exposure in pop culture, he’s definitely more than that, he’s a pop icon. Francois Sagat has become a cult phenomenon, he has completely changed his body and his life from that shy boy he was at school, to become known as one of the most desiderable man on the planet.

Everyone in his life has had one or a keep going metamorphosis.What about yours?
I don't think I'm keeping going into metamorphosis since a while now,it's been many years I'm the same now. I started doing changes in my body, looks and shapes when i was 24, some big changes I admit, almost violent. I'm really stable with my image since then with more or less weight, that's all. But I'm obviously aging , this: I don't choose it.(laughs).

I’ve red somewhere that you were really shy when you where boy, how much have you changed since your years as a teenager?
I was shy like a young feminine boy who was already self-conscious about his attraction for other boys very early. I was a bullied child in school. I guess the other children noticed already my obvious sensibility. Since then, I got very reserved and strictly cautious with people. I met so many intimidating people on my way that at one point , I almost absorbed their energy. Now I'm hearing sometimes that I'm a very intimidating person, that's crazy; its like a reverse effect ,and I absolutely don't control it. It's a fact. I'm still cautious with people nowadays , but in a different way.

Looking at you right now with your head tattooed, your strong and perfect body it seems you you were always beeing a strong and brave guy. Has your body become a way to feel much comfortable about yourself and who you are?
I guess its the same case for everybody, people that wanna have the balls to make a big change in their lives, in many ways, not only physically, but in different forms profesionaly, in terms of sexuality, esthetics...etc. I don't think my case is extraordinary, it's seems a big deal in your question, it's a very progressive process, also in my mind, I think i was also very strong in my mind as a teenager about all the things I was inspired by, also about my secret universe...etc. I 've always had opinions and self -confidence about some passions I had as a child ...I was believing in it. I admit I was a very fragile child in school yes, very sensitive about attacks but I knew very young ,those stupid young people of my age were not part of my world ,and that's why i may be stronger today.

Are you obsessed with body fit?
Yes I am. I don't wanna loose my body, and it's a very normal feeling, my behavior everyday is a constant work to stabilize what I built since 8 years now. I'm obsessed with being in shape .It's a very important motivation. But I don't have to prove anything to anyone.

Do you remember the moment when you’ve started working on your body transformation? Why did you wanna change?
I started in the early 2000, around 2002/2003 I had enough to look like a fragile young man. I liked muscle or athletic men...but they never paid attention to me , I was very frustrated. I did it for myself of course but also for the others.

How have you felt when your body started to look different?
Why do you wanna know that? I have no answer, it's too progressive, I feel that my body's still pretty average now, with all the years I spent at the gym. Many guys are big today. its not exceptional anymore. Im not the biggest guy at my gym for example. I'm not different, I don't feel different when I'm on the street with a hat on, with the hat on (laughs).
I feel that guys like Muscles, straight men like muscles, gay men like muscles, I like muscles, every men like another muscle men, not necessarily in a sexual way , but just to look at or to get compared with. I know it, I've experienced it. A trained, worked out body is always appreciable. Young Men , nowadays are really more aware about being attractive, taking care of themselves, going to the gym, being in shape, I think thats the new generation. It goes also with bisexuality.

You wanted to be known in the gay world and you had it. Was it all like you have been expected? Have you ever felt over-exposed?
Even if I 'm not doing anything for a year, I'll still be over-exposed, films are rolling (laughs), new dvd packages are released again, best of, videos, Vod, accessories, blah, blah, blah,...etc etc. Who cares. I didn't want to be known as a international pornstar, I 've never said that, never, it was not a goal. You're saying it, I didn't. It happened, that's all, then of course, I saw the success came really fast, I 've just played with it. But I was not dying for fame, no, no ,no. It's easy to be famous with internet now, then to make money from that, its another story.

Just to make the thing clear, is it true that how people see in you in your porno movie are far away different from you are in your personal life?
I 've been told many many many times I was a very very boring performer on films, that may be true, but I've been told I was a very very good and passionate pig in private, that may be true too. You have your answer.

You’ve had not only physical changes but even in your way of living, you have been working in fashion as a stylist assistant, then you went through porno and then into the author movie, how would you like to see yourself in the nearly future?
I don't wanna see myself in the future. I wanna see myself living the present moments, as bad and exciting as they are.

You have been practicing with different designers and fashion people like Jeremy Scott, Thierry Mugler, Paco Rabanne, Nicolas
Ghesquiere, Carine Roitfeld, Martin Margiela, Isabela Blow, Beat Bolliger. right? What have you learnt from these people? Who’s the person that has left more into you as a person?
That's very true, and that's the past and it's very far now. I spent a lot of time and brainstorming with Beat, I learnt a lot from Carine in a very short collaboration, I got a lot of inspiration from Nicolas Ghesquière, I still feel very lucky that I lived the last years of Mugler at "rue aux ours" and I found myself surprised that I stayed in touch with an amazing person named Jeremy Scott...

You’ve always been related into fashion, I remember the first time I’ve seen the lookbook you have done with Bernhard Willhelm, it was so nice and funny, maybe because you were been shooting in a kind of Peter Berlin style, what do you remember of that experience? Would you do something like that again?
Yes. It felt like a funny and exciting experience, very into self-deprecation a lot of good chemistry with all the team, and the photographer who was working for the calendar project I did the last Bernhard Willhelm show and it felt really familiar. I like it.

It seems to me from some interviews I’ve red about you in the past, you are bored about fashion, and some time it seems to me you are rejecting any kind of style and the fashion world is it true?
I just don't see any interest in wearing fashion, or designers, every day of a life for me, it has to be very occasional and rare. I 've always thought that this quote was "true": "Less is more" that's my opinion, for example I bought 4 pairs of sunglasses last week, they were from H&M and they were 5 euros each and they look amazing on me it’s the same with clothes I don"t buy fashion, but I loved to wear designer's clothes for photoshoot or videos, its immortalizing fashion, and its great, when I see "too fancy" guys in the street, with very studied looks during the day. I'm always thinking I would never do the same, but I don't mind on others. Fashion is not my world, but I know everything about fashion.

Have you ever asked yourself why if someone like you that has been so connected to fashion and than left, that thinks that clothes come always second is often asked to be shoot in a fashion story? And in a way is always connected to the fashion world?
It's maybe because when I'm wearing a Hervé Leger dress in high heels like I did last week, it happens that I actually look fabulous, I have a picture to prove it.

How is your perfect day?
Wearing a Hervé Léger Dress in high heels.

Francois has sent me the picture of him wearing a Hervé Leger dress in high heels, and yes! I have to admit he looks fabulous and hot...

THE NAKED AND FAMOUS - Photography

2011-10-27T00:32:00.000-07:00

REBEL YELL - Styling

2011-10-27T00:25:00.000-07:00

LOGAN WHITE - Interview

2011-10-27T00:21:00.000-07:00

Logan è una giovane fotografa americana con un innato e naturale modo di fotografare le donne, che nei suoi scatti sembra stiano provando un’ esperienza fisica, come in preda ad una fase euforica, catartica e liberatoria allo stesso tempo. La sessualità femminile è vista attraverso gli occhi complici di Logan, che si diverte a mostrare il lato sensuale ed irriverente della donna che un uomo difficilmente riuscirebbe ad immortalare senza il filtro della lente maschile.

So che ti sei avvicinata alla fotografia fin da piccola, me ne parli?
Essendo cresciuta nel sud, ero molto ispirata dall’ambiente che mi circondava, abitavo a Macon in Georgia in una casa appartenente alla mia famiglia da sei generazioni. Nella porta accanto c’era la casa di mia nonna e dall’altra parte c’era una casa che mia madre, pianista classica, aveva trasformato in una sala concerti. La mia famiglia è molto matriarcale, la combinazione delle donne, dei cimeli di famiglia, delle immagini di culto degli antenati ed il suono continuo di musica classica mi ha spinto a creare immagini che reinterpretassero quello spirito.

Le tue foto mi divertono perchè giocano sempre con sessualità, ironia, vulnerabilità e spesso hanno un lato macabro. Come riesci a mettere tutte queste sensazioni in una foto?
Forse ci riesco perchè le mie fotografie non sono che la manifestazione fisica dei miei sentimenti.

Con le tue immagini reclami il fatto, che i corpi femminili sono spesso rappresentati per il piacere maschile, mentre tu mostri una sessualità femminile da parte delle donne per le donne?
Dalla parte della donna per tutti.

Nelle tue immagini giochi spesso con i generi, me ne parli?
Non faccio fotografie con un approccio conscio o un intento di discussione sui generi, ma sono attratta dall’estetica femminile. Suppongo di soffermarmi e sfidare quell’estetica mentre fotografo.

Il sesso vende e sempre sarà così, sei d’accordo?
Penso che anche il celibato venda, in questo momento vendono anche le gravidanze adolescenziali. Sono così felice di non essere un bambino che sta crescendo oggi, se così fosse sarei molto confuso.

E cosa pensi allora di tutte quelle donne che cercano sempre di essere più sexy per ottenere attenzione?
Credo che tutti noi, uomini e donne, cerchiamo sempre di essere sexy per ottenere attenzione, certamente non cerchiamo di essere sexy per essere ignorati. Credo non ci sia niente di sbagliato nel volere attenzione per il proprio cervello o il proprio look. Mi piace avere attenzione per entrambi. Ho fatto molta palestra ultimamente e dico costantemente a tutti di sentire i miei muscoli!

C’è qualche fotografo che ammiri in particolare per il modo in cui fotografa le donne?
Nobuyoshi Araki, Ellen Von Unwerth, Helmut Newton, Sally Mann, Deborah Turbeville.

Come artista segui maggiormente il tuo bisogno di fare una certa foto o le fai anche pensando a chi le vedrà?
Non penso a chi le guarderà le foto fino a quando non è il momento di mostrarle, altrimenti credo sarebbe una distrazione e l’immagine non sarebbe forte. Quando mi concentro solo sulla mia visione so che le persone saranno molto più ricettive.

Come ho detto all’inizio molte delle tue immagini a volte hanno un lato oscuro e macabro, sono infatti scattate di notte o in un cimitero, me ne parli?
Cerco di vedere la bellezza in posti oscuri, a volte invece dipende solo dal contesto della foto. Se fotografo nel sud in estate è troppo caldo per fotografare durante il giorno così scattiamo al tramonto quando c’è la luce che preferisco. Amo fotografare nei cimiteri perchè sono un luogo privato, tranquillo e pacifico.

Ti rispecchi nelle donne che fotografi?
Temo sia inevitabile.

DAVID MAYER NAMAN AVD F/W 2012 - Styling

2011-09-27T10:01:00.001-07:00

Takeshy Kurosawa F/W 2012 - Styling

2011-09-05T09:02:00.000-07:00

Lunar Park - Styling

2011-06-25T03:26:00.000-07:00

Mikael Kennedy - Interview

2011-06-25T03:19:00.000-07:00

Quello che più mi affascina di Mikael Kennedy è il suo spirito libero, me lo sono immaginato più volte durante i suoi viaggi come un giovane Kerouac che brama esperienza, quella pura nel bene e nel male, quella che fa sentire vivi e ti appaga mentre la provi. Mikael questa sua realtà l’ha continuata a documentare nell’arco di un decennio attraverso le sue magiche Polaroid; scatti fermati di momenti irripetibili, di una vita trascorsa viaggiando, alla ricerca di tutto e niente se non il rendere la propria esistenza straordinaria come una barca che anela il mare ma non lo teme.

Sono circa più di dieci anni che documenti la tua vita attraverso le Polaroid, mi racconti come è iniziato il tutto?
Ho trovato una SX70 in un robivecchi durante il ritorno da un viaggio, ricordo che ho visto questa bellissima macchina fotografica, e l’ho presa. Non ne sapevo molto ma col tempo è diventata un’ossessione. In quel periodo vivevo in Massachussetts, cominciai a
costruire una griglia di Polaroid sul muro di camera mia, continuando ad aggiungerne. Non c’era nessuna premeditazione, così come capitava, continuavo anche a fotografare la mia cara amica Mandy Lamb (www.1977.lamb.com), abbiamo viaggiato molto insieme e nello stesso periodo anche lei ha iniziato a fare fotografie con la Polaroid. Ho vagato per tutta la nazione, vivendo in diversa città, accampandomi sul divano di amici, vivendo in ripostigli come un vagabondo, con solo lo zaino. Mi sono trasferito in Serbia per un breve periodo e poi sono andato a Brooklyn, che negli ultimi cinque anni è diventata la mia base. Ad un certo punto mi sono accorto che avevo sempre la macchina fotografica in mano.

Credo che tu non stia semplicemente documentando la tua vita attraverso le tue Polaroid, non è solo un semplice reportage c’è ben altro: sentimenti, idee e storie che tu probabilmente hai già in mente. Sbaglio?
C’è una citazione di Carl Jung a cui penso spesso: “Non importa se la storia che racconto sia vera o non, quello che importa è se la storia è la mia verità”. Mi piace quest’idea. Non m’interessa l’arte che non ha una propria anima. Ci sono delle persone che mi scrivono e mi dicono che osservando le mie Polaroid si sentono nostalgici per una vita che non è la loro. Negli ultimi anni mi sento come se fossi dentro e fuori del controllo della storia, a volte la conduco da qualche parte intenzionalmente, altre la rincorro costantemente, cercando di capire cosa sta accadendo. In questo momento il mio blog sta lavorando, come la mia ombra, è solo un paio di settimane dietro di me. Cerca sempre di restare aggiornato. Forse in questi giorni ho il controllo.

In questi dieci anni vedi cambiato il tuo modo di fare fotografia? È diventato sempre più istintivo o impulsivo? Vedi qualcosa che coglie la tua attenzione e la fotografi oppure vai in giro a cercare qualcosa in particolare?
La risposta più semplice che posso dare è che si tratta della mia vita, niente più di questa, se non il fatto che cerco di renderla il più interessante possibile. La maggior parte delle foto che faccio accadono mentre sono in giro a fare un a passeggiata. Vedo qualcosa che colpisce il mio sguardo ed è fatta, con le Polaroid non ho regole, non so ciò che apparirà o non nella fotografia. Mi limito a catturare ciò che attira la mia attenzione, a volte è solo il fatto di come la luce colpisce certe cose, o di come percepisco i miei amici. Direi che sono sempre in giro alla ricerca di qualcosa, ma di che cosa si tratti non lo so, forse di una qualsivoglia esperienza.

Hai pubblicato il settimo volume di questo tuo continuo lavoro, mi parli del legame che esiste tra questi libri e delle loro differenze?
I libri ed il blog hanno cominciato ad esistere circa a metà del corpo di lavoro. Ad un certo punto avevo scatole su scatole piene di fotografie e volevo farne qualcosa. Ho un amico che lavora da Kinko a Portland, Oregon, così gli ho mandato tutti i layout del primo libro e la notte li ha stampati mentre il suo capo non l’avrebbe visto. Poi me li ha spediti. Ho graffettato cinquanta copie del primo volume e sono partito dal lì. Il blog invece è iniziato un pochino prima, come ti dicevo stavo cercando un posto dove mettere tutte queste immagini, penso avessi bisogno di iniziare a dare un senso a ciò che stavo facendo. Ora circa una o due volte l’anno colleziono tutti i post del blog, faccio un editing e pubblico un nuovo libro, generalmente ogni libro racchiude sei mesi del mio cercare. Sono diventati delle visioni molto personali di ciò che è la mia vita e di quello che pensavo in quel momento. Il terzo volume è stato chiamato The Castle & The Kingdom perchè durante quel periodo della mia vita ero dentro e fuori New York City, che era un posto molto dark per me a quel tempo. Mi sentivo veramente diviso tra la città, in cui mi sentivo intrappolato, e la terra, in cui mi sentivo libero. Il settimo volume appena uscito è una piccola collezione d’immagini scattate con un particolare tipo di pellicola Polaroid, ne possedevo un misero quantitativo così ho fatto il maggior numero possibile di ritratti a persone che avevo già fotografato durante gli anni prima che finissero. Non so dirti come sarà l’ottavo volume, fino a quando non mi siederò cercando di dare un senso all’ultimo anno della mia vita. Funziona così.

Le tue Polaroid sono semplicemente belle, cosa rende magico per te questa fotografie? Niente assomiglia ad una Polaroid. Ogni fotografia è un piccolo esempio di vita catturata in bordi bianchi. Per me è la più vera forma di fotografia, perchè ciò che vedi è ciò che è successo. Non c’è possibilità di manipolazione digitale, non c’è lo zoom, ogni fotografia scattata è lì in quel momento.

Quindi per il fatto che sono pezzi unici, dei piccoli pezzi d’arte e che non possano essere manipolati, credi abbiano un potere maggiore rispetto alle digitali?
Per me avere una fotografia che sia un pezzo unico è fondamentale, troppo del mondo moderno è riproducibile facilmente, le cose stanno perdendo il loro valore. Ogni Polaroid è un momento catturato che non esisterà mai più, soprattutto ora che alcuni tipi di pellicole non esisteranno più.

Mi piace molto la luce che c’è nelle tue foto, è come se tu fossi catturato dal momento in cui la luce colpisce direttamente qualcosa assumendo quest’aura evanescente.
Un giorno quando avevo circa tredici o quattordici anni ho scoperto che non sarei morto, ricordo che stavo andando a scuola e notai il modo in cui la luce colpiva le cose, tutto mi sembrava bellissimo. A volte la luce può avere diversi significati, ad esempio durante una conversazione con una persona gli s’illumina lo sguardo e io voglio coglierlo.

Ho letto da qualche parte che hai venduto il tuo sangue per avere dei soldi per comprarti le pellicole della Polaroid, confermi?
Sì. Fa parte del passato, è successo nel 2002 quando vivevo a Seattle, ci andavo circa due volte alla settimana. Ho smesso perchè un giorno tutto il mio braccio è diventato blu e nero, è stata una scena bizzarra.

Hai viaggiato moltissimo, possiamo ancora considerare vera la citazione di Kerouac che dice: “we had longer ways to go. But no matter, the road is life."?
Sono cresciuto con Kerouac. Sì. E adoro questa citazione. Una delle mie preferite è anche quella di Dharma Bums: “I see a vision of a great rucksack revolution, thousands or even million of young Americans wandering around”. Comincio a scalpitare se resto seduto a lungo.
T’immagino come un poeta che va in giro per il mondo ma anziché scrivere le sue poesie su carta le riversa su Polaroid. Come vedi te stesso?
Vedo me stesso più come un narratore di storie che per farlo usa qualsiasi mezzo a sua disposizione. Quella con le Polaroid è una storia molto lunga.

La cosa che mi piace di più nel viaggiare, è quando ti ritrovi in posti, situazioni o a fare cose a cui non avresti mai pensato, ti è mai successo?
olitamente non pianifico nulla quando viaggio, se non l’andare a far visita ad amici. Poi tutto quello che viene dopo è semplicemente meraviglioso sia che finiamo con l’andare a scalare una montagna sia che siamo al tavolo della cucina a sorseggiare un caffé. Per me ogni singolo momento è importante.

Cos’è che stai ancora cercando?
In realtà nulla, anche se suppongo tutto, esperienze buone e cattive. Ci sono stati dei momenti davvero tristi, in questi dieci anni, ed altri incredibilmente magnifici. Voglio vedere ogni cosa prima di morire. Ci sono una lista di Polaroid che vorrei scattare prima di finire tutte le pellicole; un tornado, una balena, i fulmini e cose di questo tipo.

Credi che smetterai mai di documentare la tua vita?
Credo che terminerò le pellicole molto presto, e dopo quel momento di nuovo non ho piani.

Alex Prager - Interview

2011-06-25T03:16:00.000-07:00

Alex si è avvicinata alla fotografia a ventenne e da quel momento che non l’ha più abbandonata. Il suo spirito indipendente l’ha portata ad imparare quest’arte da sola. Ricordo che la prima volta che ho visto una sua fotografia, sono stato trasportato in quel mondo dai colori forti e disitnti tipici della Los Angeles degli anni 60. Le donne, come Eve, Emily, Crystal, Lois, Rita e tante altre sono le protagoniste delle foto di Alex, sono impeccabili, anche se dietro i loro rossetti rossi o le loro parrucche, nascondono drammi e malinconie tipiche delle donne hitchcockiane,con un continuo richiamo tra l’apparenza e la realtà, come se il suo intento fosse quello di documentare un mondo che esiste e che non esiste allo stesso tempo, dove dietro il glamour può celarsi anche il melodramma.

Potresti raccontarmi qualcosa del tuo background? Ho sentito dire che hai viaggiato tantissimo nella tua infanzia...
Sono nata a Los Feliz in California. Non sono andata ne alla high school ne in una scuola d’arte. Ho trascorso il miei anni da teenager viaggiando tra l’Europa, la Florida e Los Angeles.

Sei quindi una fotografa che ha imparato da sola, quando è inizato il tuo approccio alla fotografia?
Dopo essere tornata a Los Angeles dopo aver viaggiato per l’Europa, non sapevo cosa avrei voluto fare professionalmente. Dovevo mantenermi, così ho iniziato con diversi lavori alcuni dei quali terribili. Ero entrata nel così detto giro di lavoro da ufficio e spendevo i miei soldi per il cibo, i vestiti, i viaggi e i CD e poi dovevo vendere i miei vestiti e i miei CD per pagarmi l’affitto. Niente mi emozionava particolarmente così cominciai a pensare che forse quello che stavo vivendo poteva essere la vita che avrei potuto vivere da adulta così decisi di fare in modo di cambiare qualcosa. Cominciai così ad andare nei musei e nelle gallerie d’arte per vedere se c’era qualcosa che fossi in grado di fare in quel campo, perchè sapevo che dovevo fare qualcosa di creativo. Finii al Getty museum e per caso vidi l’esposizione di William Eggleston, non avevo nemmeno preso in considerazione la fotografia fino a quel momento. Vidi una fotografia quando entrai nella stanza e capì in quel momento che ciò che avrei fatto sarebbe stata la fotografa. È stato istintivo. Comprai una macchina fotografica il giorno successivo e l’attrezzatura per la camera oscura tre giorni dopo.

Quanto tempo impieghi a pensare a che foto vuoi scattare? Quando fotografi l’immagine è diversa da quella che avevi in mente o è quasi simile a quella ti eri immaginata?
Non è mai come me l’ero immaginata, ma suppongo che è questo che rende fotografare interessante. Solitamente spendo circa una settimana nel processo di preproduzione, considerando tutti quei piccoli dettagli che faranno parte dell’immagine e poi faccio il servizio. Quello che viene dopo è il panico ovvero quando guardo i miei negativi e che forse potrebbe non esserci nulla che posso utilizzare, ed ore ed ore a far fronte e a tentare fino a quando non mi accorgo di avere davanti qualcosa che amo. Questo è generalmente il processo generale di ciascun mio servizio fotografico. Indosso il cappello da fotografo nella prima parte, e poi quello da pittore nella seconda parte. È alquanto esasperante.

Trovo divertente che tutte le tue modelle indossino delle parrucche, come mai questa decisione?
È un cuscinetto carino tra il mondo reale e questa esagerata versione del mondo in cui vivono i miei soggetti. Credo che il lato gloss delle mie immagini aiuti le persone ad osservare le mie foto.

È vero che ti occupi tu stessa dello styling delle tue fotografie?
Sì. Mi occupo anche di del set design, delle luci, più o meno di tutto. La superficie estetica si relaziona direttamente a che impatto c’è con la comunicazione sott’intesa, per questo motivo tutto deve essere così specifico.

Ci sono un sacco di riferimenti del passato nello styling delle tue fotografie, è come se le tue donne scaturissero da un’era passata, dove le donne erano più femminili e sofisticate, come mai questa scelta specifica?
La drammaticità di tutti quei vecchi film era accresciuta da tutto quel makeup, dai costumi e dalle luci tutto era al meglio. Visivamente, niente sembrava così reale tanto che ci allontanava con tutto continuamente dal lato narrativo. Ora molti film tendono ad essere il più reali possibili alla vita reale, che suppongo uno debba fare più attenzione a ciò che vuole raccontare.

Molte tue immagini sembrano avere dei riferimenti ai lavori di William Eggleston e di Jeff Wall
Amo i loro lavori, sono totalmente ispirata da loro come da molti altri come Weegee, Brassai, Arbus, Joel Sternfeld, Guy Bourdin, Helmet Newton, Maya Deren, Salvidor Dali, Man Ray, Bruce Gildon e DiCorcia. Sono tutti dei grandi.

Ho visto il tuo cortometraggio Despair, è molto carino perchè e come se avessi portato le tue immagini ad un altro livello: la vita. Com’è stata quell’esperienza?
È stata un’esperienza incredibile: la storia che c’è dietro il film è nata dal fatto che volevo fare vedere che cosa ci fosse prima, durante e dopo una mia fotografia. Sì esattamente come hai detto tu volevo portare in vita una mia fotografia per pochi minuti. Il film infatti dura solo tre minuti e trenta. Non avevo assolutamente alcuna idea di dove mi sarei trovata una volta iniziato questo progetto, c’è stato tantissimo lavoro, ma ora che so come si fa ti dico che ne voglio fare molti altri in futuro. Fare dei film è completamente un mondo diverso.

Mi piace il dramma ed il melodramma stilistico alla Alfred Hitchcock e David Lynch che evocano i tuoi lavori, me ne parli?
Come ti ho detto i lavori di William Eggleston mi hanno portato ad essere una fotografa, quando ho visto le sue immagini la prima volta non potevo comprendere come qualcosa che al primo sguardo sembrasse uno snap shot mondano potesse drammaticamente avere un effetto sul mio modo di sentire. Questi piccoli e colorati snap shot noiosi cambiarono completamente il mio modo di vivere fino a quel punto. David Lynch è un grande come lo sono stati Fellini e Godard, lui ebbe il talento di mettere queste strane idee che aveva nella testa sulla schermo in modo che tutti potessero vederle. È per me una grande fonte d’ispirazione e mi porta a credere che tutto sia possibile.

Jon Claytor - Interview

2011-06-25T03:08:00.000-07:00

I quadri di Jon Claytor sono carichi di tensione cinematica, inseriti in un contesto naturale e scarno, sono ricchi di emozioni. I loro protagonisti sono per la maggior parte bambini ed adolescenti che sembra abbiano interrotto momentaneamente qualsiasi cosa stessero facendo per essere immortalati da Jon. L’abilità del pittore è quella di essere stato in grado non solo di mettere in pausa questo momento, ma di rivelarci tutto quello che sta accadendo all’interno di questi protagonisti, svelandoci i loro stati d’animo; impazienti, vulnerabili ed innocenti.

Il rapporto con la natura è sempre stato un elemento importante nella vita di Jon, ecco perchè anche gli animali, soprattutto gli orsi, sono spesso presentati nelle sue opere, come se l’artista si riconoscesse come uno di loro. Mi racconti qualcosa del
tuo background?
Ho appena compiuto trentanove anni e mi sono trasferito di recente da New Brunswick, una piccola cittadina, a Toronto dove vivo con la mia sexy fidanzata e cinque figli. La mia giovinezza l’ho trascorsa attraversando lo Stato con i miei genitori. Mio padre è un biologo così abbiamo trascorso diverse estati nella natura selvaggia in tenda, mentre lui contava tutte le cose che vivevano nei fiumi. Mia madre mi ha insegnato a fare dei giocattoli con i rami e a volte guardavamo gli orsi mentre “scaricavano”. Anni dopo sono diventato una sorta d’artista. Ho esposto da L.A. ad Halifaz e la mia più recente mostra l’ho fatta a Tel Aviv nel giugno 2010, si chiamava Small Adults.

Da dove viene la tua passione per la pittura? È qualcosa a cui ti sei avvicinato da solo o qualcuno ti ha introdotto a questo mondo?
Mia madre era una pittrice ed una brava disegnatrice. Poteva disegnare come un angelo. Aveva un’ardente passione per l’arte e i suoi disegni mi facevano paura quando ero piccolo. Un’emozione così grande. Ho sempre voluto creare qualcosa con quel genere di forza, per me era come se solo qualcuno con abilità sovraumane potesse fronteggiare quel genere d’incontrollata emozione.

Chi sono i protagonisti dei tuoi quadri? Ci sono molti bambini...
Per me i bambini sono le persone più coraggiose. Loro affrontano un mondo informe armati solo delle loro nozioni predeterminate e della loro ingenuità. In molti modi la nostra transizione all’età adulta è uno spostamento verso un mondo più sicuro dove i demoni sono solo una nostra creazione. Ecco perchè li dipingo.

Hai anche una grande passione per gli animali, in particolare gli orsi, amo come li rappresenti, da dove nasce quest’interesse?
Gli animali rappresentano per me, aspetti differenti della nostra lotta umana. Ho iniziato a dipingere orsi che ballano perchè era come mi sentivo, come se mi fosse richiesto di ballare! Ballare! Ballare! Mille volte. Come se tutto ciò che avessi potuto vendere era la mia anima, ed il prezzo era abbastanza per un drink di scarsa qualità. Sono anche ingrassato. Come un orso. Ora le volpi sono il retro del disco, così amabili, abili che vivono al limite. Il coyote è sleale. Amo il coyote.

I tuoi quadri nonostante siano arte figurativa, sono anche colmi di sentimenti ed emozioni noir. Come vedi la tua arte?
Mi piace camminare e mentre lo faccio mi piace pensare, ascoltare e scivolare nell’etere. Nell’altro mondo, nel mondo dei sogni dove le emozioni sono grandi come gli edifici governativi, e spingono dalla terra, in momenti di gloria, e tremano dopo la rivoluzione. Il nostro mondo è freddo e calcolatore e la beffa è tutto quello a cui noi rispondiamo. Ho il cuore tenero.

Alcuni dei tuoi quadri rappresentano teenager con il tipico atteggiamento riot, mentre sono ubriachi o hanno la faccia truccata da Kiss. Hai qualche ricordo in particolare dei tuoi anni da teenager?
Sì. In una cittadina del Canada facevamo dei ditch party, che altro non erano se non un gruppo di adolescenti che s’incontra nei boschi, in un campo o in una strada chiusa e portano birre e liquori. Alcuni vengono a piedi altri in macchina, magari tre macchine per una quarantina di ragazzi. Bevi, alcuni vengono pestati, altri trovano l’amore. Il quadro a cui ti riferisci riguarda tutto questo; l’atteggiamento, il pavoneggiarsi, l’intimidazione e la vulnerabilità. C’è molta forza, molta paura e molta esperienza nuova. L’adolescenza è il periodo della nostra vita più disperato e di belle speranze.

Da dove prendi anche ispirazione per i tuoi lavori: dai film, dalla musica, dove? Vado al cinema durante il pomeriggio e dopo dipingo. Film brutti. Thriller e film d’azione. Questi film mi parlano e mi spingono a creare. Ingigantiscono il tutto e posso così relazionarmi a grandi emozioni e rivelazioni. Poi immagino che siano film minori e discreti, acuti e emotivi, non vistosi e chiassosi. Poi dipingo. Mi piace molto anche la fotografia come quella di Nan Goldin, Sally Man e Cindy Sherman.

É difficile per un pittore capire quando un quadro è finito? Soprattutto se usi i colori ad olio, che possono essere costantemente ritoccati...
I miei quadri non sono mai finiti, continuo a ritoccarli fino a quando non mi sono sottratti dalle mani. Spesso metto in mostra lo stesso quadro più volte, rilavorandolo ogni volta. Ogni volta mi dico: “ è finito”, ma poi cambio idea e i quadri cambiano. A volte muoiono e li dipingo completamente di nero o di bianco e ricomincio tutto da capo.

Secondo te un artista dipinge per se stesso o per raccontare agli altri la propria verità?
Vorrei saperlo. La mia verità è così semplice ed ingenua. L’amore. Sta tutto lì. Dipingere per me stesso? Cosa significa? Un atto compulsivo, un piacere, una distrazione. Dipingo perchè è ciò che sono, un pittore. Non è colpa mia.

Osservando i tuoi quadri ho avuto la sensazione come se i soggetti che tu hai ritratto si fossero fermati d’innanzi a te per il tempo del quadro e poi si fossero mossi di nuovo. Come riesci a dare questa tensione della loro vita?
È esattamente così. Provo a fermare questi momenti nella narrativa della loro vita. Faccio questi piccoli film intorno a loro. Si fermano e poi continuano. Sono registrazioni di un momento. Come l’arte rupestre che è una testimonianza. Noi eravamo qui. Noi eravamo qui.

Mi hai detto che hai dei bambini? Gli hai insegnato a dipingere?
Come ti dicevo ho cinque bambini da uno ai sedici anni. Sono loro che m’insegnano a dipingere, a ridere, a piangere. I più giovani sono gemelli, loro t’insegnano quanto siamo diversi ed uniti allo stesso tempo. Mia figlia di nove anni desidera sempre amore, entusiasmo e sorprese. M’insegna a vivere. Quella di tredici anni è un atleta e m’insegna a provare duramente, e a ridere. Mio figlio di sedici anni è un sognatore ed è molto pigro. M’insegna ad essere un artista ed a rilassarmi. Spero d’insegnargli che la vita va vissuta per fare in modo che i sogni si avverino ed anche il solo provare è tutto ciò che possiamo fare perchè la maggior parte dei sogni sono morti nell’acqua.

Collezioni i loro disegni? Li hai appesi al frigorifero?
Sì. Siamo immersi fino alle ginocchia dei loro disegni. Abbiamo scatole piene, sono appesi al frigorifero e riempiono i nostri scaffali. Quantitativamente producono molto più di me. Ed è tutto buono.

A cosa stai lavorando ultimamente?
Sto dipingendo i protagonisti dei miei quadri preferiti sin da quando ero bambino come il pierrot di Watteau, i nani di Valesquez e sto facendo un film sull’essere un uomo, un bambino e una donna per un anno nella rurale New Brunswick.

La Sera - Photography

2011-06-25T03:06:00.000-07:00

Dustin O'Halloran - Styling/Interview

2011-06-25T01:55:00.000-07:00

Dopo numerose domeniche mattine passate a consumare nello stereo i suoi precedenti album Piano Solos e Piano Solos vol.2 incontrare Dustin O’Halloran è stato come trovarsi finalmente a parlare con colui che ha creato la colonna sonora di alcuni momenti della mia vita. Con mio grande piacere l’uomo che mi parlava era un gentleman, distinto e conscio del fatto che la musica che compone ha la capacita di evocare emozioni nella mente di chi ascolta, senza grandi pretese, lasciando aperta la libera interpretazione, in modo tale che ognuno di noi ci si possa ritrovare, specchiare ed eventualmente trovare una compagnia per alcuni momenti della propria esistenza.

Credo che la musica strumentale possa essere molto più personale, perchè non offre la possibilità di nascondersi dietro alle parole, che ne pensi?
Si sono d’accordo, credo inoltre che sia più spirituale, scrivere testi è molto più terra a terra perchè si possono raccontare storie personali od umane in genere. La musica strumentale invece va oltre, ed è per questo che mi piace, perchè diventa senza spazio, non riguarda soltanto il compositore, ma le persone possono aggrapparsi con i loro sentimenti alla musica.

La tua musica ha per me la capacità di andare sotto la pelle di chi l’ascolta e d’incominciare a vivere con essa in un susseguirsi di pure emozioni.
Ciò che m’interessa non è tanto spiegare alle persone quali sono i miei sentimenti che si celano nella musica che compongo, ma spero che chi mi ascolta possa ritrovare in essa i propri sentimenti e le proprie emozioni, ed è per questo motivo che la maggior parte delle mie canzoni non hanno dei titoli. Perchè penso che titoli profondi o semplici come Sunday Morning dicano già troppo.

Ma in Lumiere ad alcune canzoni hai dato un titolo. Come mai?
Non lo so. È una cosa che ho deciso in quel preciso momento. È la prima volta che assegno dei titoli ed allo stesso tempo ritengo che siano ambigui, posso essere relazionati a qualsiasi cosa. Mi piace lasciare molto spazio agli ascoltatori. Sopratutto con questo genere di musica, tutti possono interpretarla a modo loro, la cosa meravigliosa è che ognuno può trovare così tanti significati ed è quindi aperta a tutti. Credo inoltre che la musica sia forte abbastanza da non dover mettere altri strati per spiegare me stesso o i miei sentimenti, è giusto per me che ognuno sia libero di cogliere ciò che sente.

Essendo abituato ad ascoltare i tuoi precedenti lavori Piano Solos e Piano Solos vol. 2 quando ho sentito Lumiere per la prima volta mi sono accorto di un netto cambiamento, è come se la palette dei colori che c’erano nei due precedenti album si fosse ampliata, avendo questa volta composto anche per altri strumenti. Mi parli di questo cambiamento?
Infatti è più o meno così. Mentre stavo componendo per questo album ho letto molto riguardo la sinestesia, la condizione in cui si possono vedere dei colori nel momento in cui si sta ascoltando la musica. Ho fatto degli studi riguardo a dei pittori che avevano questa condizione come Kandinsky e Rothko. Credo che ci sia una condizione comune tra i pittori ed i compositori che è la solitudine, perchè quando creiamo lo facciamo da soli.

Non credo di essere in grado di vedere dei colori ascoltando la tua musica ma posso dirti che se dovessi immaginarmi dei colori sarebbero sicuramente dei blu e ogni tanto rosso vermiglio.
Per me il fatto di aver composto per altri strumenti è stato come se avessi aggiunto atri colori e movimento. Sicuramente ognuno è in grado d’immaginarsi dei colori che rispecchiano lo stato d’animo nel preciso momento in cui stanno ascoltando musica. Per me è stato molto stimolante il fatto di scrivere per altri musicisti e quindi altri strumenti, anche se il piano ha sempre il ruolo da protagonista.

Al primo ascolto di Lumiere mi sono sentito leggermente spaesato per la presenza di altri strumenti,poi però mi sono accorto che è sempre il piano lui ad avere il ruolo da protagonista e mi sono sentito come a casa che dici?
Certamente! Il piano per me è lo strumento con cui credo di avere una forte relazione, il piano è sempre l’origine anche di questo nuovo album, credo sia uno strumento senza fine con cui un pianista non possa mai sentirsi finito, ci sono così tante possibilità ed è qualcosa che certamente continuerò a suonare. Probabilmente ci sarà un Piano Solos vol.3 mi prenderò del tempo a cui lavorarci, vorrei dedicarmi maggiormente alla scoperta di altri strumenti anche se non penso che di più sia meglio. Mi piacciono di più le musiche da camera con pochi strumenti, il quartetto è qualcosa che mi ha entusiasmato e vorrei esplorarlo di più. In un certo senso sto cercando di non darmi dei limiti anche se non voglio poi esagerare perchè qualsiasi cosa uno aggiunga alla propria musica deve essere fatta bene altrimenti risulta qualcosa di brutto e noioso. A fine agosto uscirà un album che ho appena finito con questo gruppo di musica ambient, Stars of the Lid, abbiamo composto musica con chitarra, archi e piano, è un album molto minimale e naturale.

Come si fa a comporre una musica?
Wow! Non so a volte il tutto inizia al piano. A volte da idee che ho nella mia testa. Altre volte aspetti che l’ispirazione arrivi e magari non arriva... Per me la vera ispirazione è quella che arriva improvvisamente. Per esempio alcuni pezzi rimangono incompleti per un pò e li lasci lì finchè non ti torna l’ispirazione per finirli.

Hai composto anche per il cinema, Maria Antoinette, An Amercan Affair e per Like Crazy il film che ha vinto lo scorso Sundance. Quando componi per il cinema dove ti trovi davanti immagini esistenti è più semplice o preferisci quando le immagini sono nella tua mente?
Dipende dal regista. Tu puoi scrivere quattro pezzi diversi di musica per una scena ed ovviamente ognuno ha la propria idea su quale sia la migliore sopratutto se il film ha una grossa produzione dove bisogna mettere d’accordo molte più teste. Se invece il regista si fida di te e ti conosce tutti avranno chiara in mente l’idea del film e di cosa sta succedendo in quella precisa scena e quale musica sia più adatta. In questo caso è molto più interessante perchè c’è collaborazione ad uno scopo comune. Ci sono musiche che ho composto per il cinema che sicuramente non avrei fatto per me stesso che poi alla fine ho amato, a volte può essere un processo molto creativo ed ispirante, ci si rende conto di quanti piccoli elementi costituiscano un film e di quanto sia meraviglioso quando siano tutti giusti per uno scopo comune, creare un ottimo film.

Hai vissuto tra l’Italia, Los Angeles e Berlino, credi che l’enviroment in cui ti sei trovato abbia influenzato la musica che stavi componendo?
Certamente non avrei scritto i pezzi di Piano Solos nello stesso modo se mi fossi trovato a Los Angeles. In Italia vivevo in un piccolo paesino, il mio studio era all’interno di una vecchia fattoria e quell’isolamento ha fatto si che non facessi nient’altro se non concentrarmi sulla musica. Ora che vivo a Berlino mi rendo conto che l’energia della città è completamente differente, i rumori che ti circondano o il suono del treno che sento dalla mia finestra, non sai quanto queste cose possano influenzarti, non te ne rendi conto, ma sicuramente c’è un forte impatto. Per ora Berlino è un posto ottimo per me, mi stimola continuamente nello sperimentare e mi offre la possibilità di lavorare con altri musicisti e questo è molto importante.

C’è un posto in cui vorresti suonare in cui non sei ancora stato ed uno in cui vorresti registrare un disco?
Sto per partire per la Cina dove terrò una serie di concerti e so che suonerò anche in piccoli villaggi, in posti molto caratteristici, sono molto curioso anche per il fatto che il piano per i cinesi è uno strumento sconosciuto essendo uno strumento dell’ovest e collocarlo in questi piccoli villaggi mi sembra interessante. Per quanto riguarda invece un posto dove mi piacerebbe registrare un disco direi da qualche parte sull’oceano che mi ha sempre affascinato per ciò che trasmette e comunica, e quindi vorrei davvero provare a registrare un’album in quel contesto.

Ti auguro di avere la possibilità di registrare Piano Solos vol. 3 sull’oceano.

Azzurra Gronchi Campaign S/S 2011 - Styling

2011-05-18T09:18:00.000-07:00

Surrealism I - Styling

2011-04-15T01:35:00.000-07:00

Model: Eva Riccobono
Photographer: Simon
Art Direction / Illustration: Akmal Shaukat
Make-up: Erica Vellini
Hair: Giorgia Trezzi

Takeshy Kurosawa Campaign SS 2011 - Styling

2011-04-03T06:39:00.000-07:00

Remember To Brief - Styling

2011-03-23T02:44:00.000-07:00

Josh McNey - Interview

2011-03-23T02:38:00.000-07:00

Josh è un giovane artista cresciuto nella periferia californiana che trasferitosi a NY, dove ha studiato sociologia alla Columbia, da 8 anni realizza fotografie di wrestlers, cowboys, amici, amanti e sconosciuti. Quello che mi ha colpito del suo lavoro è il suo modo di fotografare il genere maschile, senza cadere nello scontato o in cliché, rivelando una spontaneità ed un’apertura all’estetica maschile, al rapporto con la natura e al sesso dominate o sommissivo.

Che ricordi hai della tua vita a Westlake Village?
Ho molti ricordi e molti legami di cuore in California in generale, è dove sono cresciuto, dove ho trascorso del tempo quando ero militare ed entrambi i miei genitori sono andati alla high school nel sud della California. Come ogni città natale ha degli aspetti buoni ed aspetti cattivi. A New York è stato difficile trovare qualcuno che fosse fan della California, di Los Angeles in particolare. Le persone pensano che sia tutta facciata e superficiale. Non sono d’accordo. L.A. e la Bay Area sono le capsule di Petri, della buona arte visiva, della musica e delle performance.

Com’è stato trascorre sette anni della tua vita nel corpo dei marines americani? Non credi sia stata una decisione dura da prendere per un bambino?
Al tempo, mi sentivo come se fossi pienamente cresciuto. Con il senno di poi intravedo una certa avventatezza infantile o per lo meno una certa ossessività dietro tale decisione. Non ero alla ricerca dell’opinione o del permesso di nessuno. Sono giunto presto alla decisione, dopo una o due settimane dall’incontro con un reclutatore, ma il desiderio di far parte dei Marines è iniziato da piccolissimo. Mio padre ha fatto parte dei Marines ed era trattato con enorme rispetto nella nostra famiglia, è semplice quindi vedere come io aspirassi al modello di mascolinità militare.

A che età quindi ti sei accettato ed hai fatto il coming out?
Da giovane ero profondamente a disagio riguardo la mia sessualità e per questo ho mantenuto molti segreti nei confronti della mia famiglia e dei miei amici. A vent’anni ho cominciato ad uscire allo scoperto con loro ed è stata un’esperienza positiva anche se alcune vecchie insicurezze persistono. Per me il coming out è un’esperienza che continua ancora. È più il fatto di essere allo scoperto che quello di uscire allo scoperto. Il primo è un evento, l’ultimo è qualcosa che tutti possono praticare ogni giorno, si tratta soltanto di fare uno sforzo per essere autenticamente se stessi.

Quando ti sei trasferito a NY quale é stata la tua prima impressione? Avevi qualche aspettativa?
Mi sono trasferito a NY circa 8 anni fa, c’ero stato una volta con il mio ragazzo che sapeva muoversi in città. Poi quando mi sono trasferito ho cominciato ad esplorarla da solo, ho impiegato sei mesi per conoscerne la maggior parte e ad un certo punto mi sono accorto che NY non è uno scherzo. Mi sono concentrato, ho finito i miei studi ed ho fatto lavori d’ufficio, è solo nell’ultimo paio d’anni che sono stato in grado di mettere tutta la mia attenzione sul mio lavoro creativo.

E in quel momento hai capito che avresti voluto fare il fotografo?
Sin da bambino sono stato affascinato dalla fotografia, mio fratello maggiore era bravissimo a surfare e ad andare in skate, io no, così ho iniziato a scattare delle foto. Col tempo mi è stato affidato il compito di eseguire ritratti di famiglia durante le vacanze e poi ho cominciato a fare moltissime foto per conto mio. Ho ricevuto molti incoraggiamenti da parte dei miei, anche finanziariamente, soprattutto quando ho iniziato. Tutti quei vantaggi erano gli ingredienti chiave da cui dipendeva il mio interesse nella fotografia, ho fatto anche altri lavori artistici con altri supporti, ma la fotografia è sempre stato per me quello fondamentale.

Mi piace molto il tuo approccio nel fotografare gli uomini, è semplice ma non ovvio, come lo descriveresti? Hai già la foto in mente nel momento in cui scatti o ti metti in una determinata condizione, e quando la situazione ti stimola e vedi qualcosa che ti piace, inizi a scattare? Come funziona?
Quando vedo le cose in anticipo si tratta di dare forma al contesto in cui lavorare, dipende, ma generalmente tendo a creare un palco su cui improvvisare, mi piace avere una direzione da seguire ma anche lasciare al valore della spontaneità un ruolo importante in cui giocare. Solitamente non vado in giro a cercare la foto, bensì ho in mente location, o modelli, o schizzi di un’immagine che mi piacerebbe creare. Inizio da lì a costruire una narrativa libera o a scegliere una tecnica o uno strumento che penso possa funzionare. Fortunatamente per quanto si cerchi di pianificare, il mondo continua a produrre l’imprevedibile, così quando è il momento di scattare, cerco di accettare la sorpresa.

Il modo che hai di comunicare attraverso le immagini lascia a chi le guarda la possibilità d’immedesimarsi attraverso le proprie esperienze, è questa la tua intenzione?
Ogni volta che qualcuno ritrova se stesso nelle mie foto mi sento lusingato. Provo in ogni modo a produrre un lavoro che riveli una mia storia personale e cerco di farlo all’interno del mio contesto giornaliero. I lavori di still life che faccio di solito li scatto nella mia casa o durante i miei viaggi. Molti dei modelli che uso sono amici e familiari, i miei fratelli sono stati tra i miei primi modelli. Ho più paesaggi californiani di qualsiasi altro posto. Non so se possa esistere una stretta relazione tra i miei rapporti personali con quelli di qualcun’altro, ma credo sia possibile.

Hai qualche ricordo particolare riguardo ad uno dei tuoi shooting che vorresti condividere?
Ho imparato una dura lezione quando ero più giovane. Ero al liceo e stavo seguendo un corso di fotografia in bianco e nero, ispirato da quella di strada e dalle storie su Dan Eldon. Immaginandomi come un fotoreporter decisi di saltare la scuola e con una mia amica abbiamo guidato fino ad Hollywood per fotografare la gente per strada. Per una mancanza di ragionamento e con leggerezza sono rimasto scioccato dallo scoprire fatto di che non potevo scattare foto di sconosciuti per strada a mio piacimento. All’inizio ero così vergognoso che decisi di fotografarli di nascosto. Alcuni mi urlarono dietro e rimasi mortificato. Decisi allora di fotografarli a distanza, ma non erano le foto intime e personali che mi ero proposto di fare. Finalmente incontrai una giovane ed amichevole marchetta che mi convinse che “l’husting” non era altro che un gruppo di omosessuali che stavano in piedi per strada a rubarsi i portafogli, diciamo, una mezza verità da parte sua. In ogni modo è stato un corso di rottura nello strano dinamismo che intercorre tra il fotografo e il soggetto. Ho imparato che le persone non sono animali dello zoo e che conviene sempre chiedere in maniera gentile prima di fotografare qualcuno.

Fai molti ritratti, c’è qualcuno che vorresti fortemente fotografare?
Ci sono centinai di persone che vorrei fotografare, non mi viene in mente nessuno che vorrei non fotografare, per quanto riguarda le celebrities al momento non sento nessun forte desiderio di fotografarne alcuna. E con questo dico anche che non mi rifiuterei di fotografare Nathaniel Brown. Per nulla.

Penso che ci sia una forte sessualità nelle tue fotografie, è lì, e anche se non è così esplicita la si percepisce, quanto è importante per i tuoi lavori?
La sessualità ha grande peso nei miei lavori, come il sesso. L’arte è uno dei moltissimi modi per esplorare se stessi. Come la sessualità è stato un soggetto enorme per la mia crescita, credo sia una conseguenza naturale il fatto che scaturisca dalle foto che faccio. Anche se non ho mai voluto essere classificato come un fotografo omo-erotico. Non rappresenta tutto di me, anche se mi rendo conto e mi va bene che molte delle mie immagini abbiano riferimenti all’erotismo o al sesso.

Cosa ti attira nelle persone che scegli per i tuoi scatti? Come li scegli?
Seguo il mio istinto, alcune volte penso di scegliere dei soggetti in cui rivedo parte di me stesso. Altre volte invece li scelgo proprio per il motivo opposto, perchè sembrano avere delle qualità che a me mancano e a cui aspiro.

C’è qualche genere musicale che ti piace ascoltare quando fotografi?
Hip Hop, Hip Hop, e Hip Hop. L'anno scorso ho ascoltato tantissimo Big Boi e l’ultimo album di Kanye, ma anche alcuni intramontabili come KRS e Wu-Tang.

Che cosa reputi sexy, che cosa ti eccita?
Le vacanze sono dannatamente sexy. Il viaggiare in città diverse ed incontrare nuove persone divertendosi e scopando in giro, quelle per me sono state le esperienze migliori.

Che persona è Josh McKey?
È un orsacchiotto.

Cosa ti piace fare quanto non fotografi?
Mi piace disegnare e scrivere a mano. Ultimamente sto mandando molte lettere. Controllo internet per qualcosa di più generico, ma per quanto riguarda gli amici e la famiglia rimango in contatto con lettere scritte a mano.

Qualche progetto futuro?
Quest’anno sarà per me una grande avventura. Ho la mia prima mostra personale a NY ad aprile. Dopodiché sarò co-produttore di due mostre, una estiva e l’altra autunnale di altri due artisti, più una collettiva che si svolgerà appena prima della fine dell’anno. Produrrò inoltre dei piccoli progetti video e lavorerò con Casa de Costa che produrrà un’altra mia mostra.

Hai trovato quest’anno sotto l’albero di Natale il regalo che hai sempre voluto ma non è mai apparso?
Sì. Quest’intervista per TOH!

Slava Mogutin - Interview

2011-03-23T02:26:00.000-07:00

Ho sempre apprezzato i lavori di Slava Mogutin sin dai suoi esordi come fotografo, ho consumato i suoi libri Lost Boys e NYC Go-Go a furia di sfogliarli. Conosco Slava da anni, nel corso dei quali siamo sempre rimasti in contatto, di recente mi ha mostrato una serie d’immagini che ha fatto insieme al suo amico artista Josh Lee, una delle sue muse, lo ha fotografato insieme alle sue opere in Colorado, stato che fa da filo conduttore ad una nuova serie di fotografie scattate durante un soggiorno invernale con Brian Kenny in cui la pianura e i suoi vasti cieli vengono catturarti dall’obiettivo di una Holga. Slava ha in programma due personali una ad Aprile alla Wrong Weather Gallery a Porto in Portogallo con Lost Boys e una a Maggio alla As If Gallery a NY.

Hai appena trascorso le vacanze invernali in Colorado dove hai scattato queste foto bellissime. Ricordo che quando ci sono stato anni fa mi sono innamorato dei cieli aperti e della terra: che impressione hai del Colorado?
È stata la mia prima volta in Colorado. I genitori di Brian si sono appena trasferiti e noi siamo andati a trovarli per Natale. Hanno comprato un ranch appena fuori Denver ed hanno costruito una fantastica casa “verde” con pannelli solari. Quando io e Brian diventeremo vecchi avremo un bel posto in cui ritiraci! Il Colorado è veramente bello, ha questo enorme cielo che posso paragonare a quello del Texas, e la luce ha un naturale filtro rosa perfetto per la fotografia. Lì mi sono sentito molto ispirato.

Mi racconti qualcosa di questo progetto che hai sviluppato con il tuo amico Josh? Mi dicevi che l’hai fotografato per anni.
Josh Lee è un artista ricco di talento ed uno dei ragazzi più eccitanti che io abbia mai incontrato. Lo conosco fin da quando era un ragazzino che abitava a New York e lavorava come modello, l’ho fotografato per oltre dieci anni e per diverse riviste tra cui Playgirl, Flaunt e Kink, ci sono un sacco di foto sconce di lui in Lost Boys. Mi sembra giusto dire che Josh è uno dei miei soggetti e musa preferiti. Qualche anno fa è ritornato a Denver, anche se continua a passare per New York, così continuiamo a trascorrere del tempo insieme.

Che qualità dovrebbe avere una musa?
Non sono interessato in facce e corpi convenzionali che hai la possibilità di vedere in qualsiasi rivista di moda. Sto cercando persone con cervelli e personalità che possono offrire più di un semplice bel look, persone che sono a loro agio con i loro corpi e la loro sessualità, ma allo stesso tempo creativi ed aperti a nuove idee. Voglio sfidarli ed essere sfidato a mia volta. In altre parole, penso ai miei soggetti come a dei collaboratori, e Josh è certamente uno di essi.

Che cosa ti piace di più delle sue creazioni?
Credo che ciò che rende la sua arte diversa dalle cose che si vedono negli spazi d’arte istituzionali è il fatto che sono sempre opere che tu puoi indossare, consumare o usare come props o mobili, come una gigantesca coperta fatta di maglie da calcio che possono coprire l’intero campo da calcio e i giocatori stessi, oppure la sedia – trono che ricorda un fiore tropicale, o le due sculture fatte di zucchero che puoi davvero leccare e mangiare. Sicuramente ha un’immaginazione selvaggia, mi piace il fatto, che non prenda se stesso e la sua arte troppo seriamente. Il problema con la maggior parte dell’arte contemporanea è che è così fottutamente seria e noiosa. Le opere di Josh sono sempre divertenti, di cuor leggero ed interessanti.

Circa due anni fa durante un mio soggiorno a New York, sono passato a casa vostra e ricordo che mi hai fatto vedere il layout del tuo prossimo libro, Panoramic View. Sono rimasto colpito dalle immagini e da come le hai assemblate, a che punto è questo progetto, quand’è che vedrà la luce?
È uno dei progetti che sto ancora seguendo e spero che verrà pubblicato entro la fine dell’anno. Panoramic View si basa sulla mia serie d’immagini chiamata Environmental Picture, ( HYPERLINK "http://www.visuramagazine.com/vm/slava-mogutin" www.visuramagazine.com/vm/slava-mogutin), che ho iniziato circa più di dieci anni fa, più o meno durante lo stesso periodo di Lost Boys. È una raccolta di fotografie di viaggio intorno al mondo, di luoghi esotici come Marocco, Guatemala, Costa Rica, Messico e ovviamente la mia natia Russia. Quello che rende questa serie diversa dal resto dei miei lavori è il fatto che non riguarda principalmente le persone, ma spazi ed ambienti. Rappresentano culture diverse, civiltà e bellezza di ciò che viene chiamato terzo mondo. Ci sono alcune occasionali foto di nudi, ma la maggior parte del libro parla di panorami, still-life e ritratti urbani, più una serie d’immagini d’animali come galli, piccioni, pecore, scimmie, lupi e polpi.

Credo che il tuo blog sia un’ottima rampa di lancio di nuovi artisti che forse non sono rappresentati da una galleria, ma fanno ottima arte. Apprezzo molto ciò che fai per loro, offrendogli un’esposizione ed una voce.
Fin da quando ho iniziato il mio blog più di quattro anni fa, l’ho concepito come il mio diario e anche come una galleria virtuale dove mostrare giovani artisti ricchi di talento, la maggior parte di essi scoperti attraverso Internet. Alcuni di loro adesso hanno delle gallerie che rappresentano i loro lavori ed hanno una carriera nell’arte. Tutto ciò mi rende molto orgoglioso e felice perchè sono convinto che questi ragazzi comanderanno il mondo dell’arte del XXI secolo.

È molto divertente perchè spesso vedo copie delle tue fotografie in giro su Internet, mi fanno sorridere perchè solitamente sono brutte copie delle tue idee e delle tue immagini originali. Come ti fanno sentire?
“L’imitazione è la migliore lusinga” come dicono qui in America. Ero molto suscettibile riguardo a chi copiava spudoratamente il mio lavoro senza permesso o senza gli opportuni crediti, il fatto è che più sei esposto più spesso succede di essere imitato. Inoltre noi viviamo nel mondo post-post-post moderno e virtualmente tutto è già stato copiato, replicato, interpretato e re-interpretato infinite volte, tanto che sembra quasi giusto dire che non c’è più nulla di nuovo in questo mondo. Certamente Internet gioca un ruolo strategico in questo processo di replica ed una volta che tu metti un tuo lavoro on line, devi accettare le regole del gioco e divertirti del fatto che la tua arte e le tue idee vivranno di vita propria nel dominio pubblico.

Mi ha sempre affascinato il modo in cui fotografi i tuoi soggetti, è come se riesci ogni volta a creare un legame con loro mostrando la loro realtà. Mi potresti spiegare il tuo processo creativo?
Non sono un fotografo da studio e solitamente scatto in ambienti casuali, dove i miei soggetti non sentono la pressione di un set-up professionale da studio fotografico con luci violente e tutto quel nonsense. Quando ho cominciato a fare fotografia, dopo aver lavorato con artisti quali Bruce LaBruce e Terry Richardson, ho capito che non hai bisogno di un’attrezzatura costosa o di uno squadrone di assistenti per creare un’immagine bella ed accattivante. Sono molto più affascinato da alcuni anonimi autoritratti che puoi trovare su Internet che quelli di uno studio tradizionale.

Ricordo che anni fa, quando ho letto i tuoi poemi, guardando alcune tue foto e conoscendo la tua esperienza Russa, credevo che fossi una persona dal brutto temperamento, ma quando ci siamo incontrati mi sono trovato dinnanzi ad una persona molto gentile e siamo diventati amici. Sei sempre stato così o sei cambiato?
Molte persone mi hanno detto che dopo aver letto ciò che ho scritto e aver visto le mie foto si aspettavano di trovarsi davanti una persona rude e violenta. Beh quando ero più giovane il mio brutto temperamento mi ha messo in un mare di guai, così ho avuto i mie buoi motivi per dare una ripulita al mio modo di comportarmi. In questi giorni non bevo più tanto quando facevo in passato e cerco di non finire in una rissa. Sono una persona molto più felice ora e non sento la necessità di combattere o di provare qualcosa a qualcuno. Preferisco risparmiare la mia energia ed il mio tempo per qualcosa di migliore, qualcosa di creativo e divertente.

Come sta Brian? State lavorando a qualche nuovo progetto insieme?
Ultimamente mi sto concentrando sul mio lavoro personale, e Brian è occupato con la sua carriera che mi rende molto felice. C’è stato un periodo in cui mi sarei rifiutato di viaggiare o di fare una mostra senza Brian, nei primi anni della nostra relazione eravamo inseparabili. Ci divertiamo ancora molto a lavorare insieme, ma vogliamo dare l’un l’altro un pò più di spazio, siamo innamoratissimi ma dopo sei anni di relazione trovo sia salutare. La nostra prossima mostra come SUPERM sarà a Barcellona il prossimo dicembre.

L’anno scorso siete stati fotografati da Richard Kern per Vice come una delle Power Couples. Come ti sei sentito?
È stata la nostra prima volta su Vice e credo sia stata la storia più gay-friendly che abbiano mai pubblicato, è stata una bella sorpresa. Lavorare con Richad è stato divertente, è uno dei mie eroi, una leggenda. Amo il suo lavoro, in particolare i suoi primi film con i Sonic Youth, David Wojnarowicz e Lydia Lunch. Sono dei classici moderni! Recentemente abbiamo fatto uno scambio di opere con Richard, ora abbiamo uno dei suoi nudi bondage femminili in bianco e nero appeso in camera nostra oltre al suo ritratto di Wojnarowicz dal set di Manhattan Love Suicide che gia possedevo. Inoltre sul prossimo numero dio Vice ( febbraio 2011) ci sarà un mio nuovo lavoro, “Bros Blowing Shotties si tratta di una copia di agazzi sexy che si soffiano del fumo nella bocca l’uno dell’altro. Ho fatto questo servizio poco dopo aver smesso di fumare, è stato per me un esercizio di totale disciplina ed alla fine ce l’ho fatta, non fumo più.

John Starck - Interview

2011-03-23T02:18:00.000-07:00

I quadri di John sono intrinseci di una serie di simboli e significati pronti ad essere interpretati. Definirli paradossi pittorici è forse azzardato, ma a volte lo sembrano proprio ai nostri occhi, livelli di lettura allegorici di paesaggi che trascendono nel simbolismo. Come veicoli i quadri di John trasportano informazioni tra scienza, pittura e natura in un rapporto di opposti che si attraggono quali la natura e la civiltà, ordine e disordine, satira drammatica e metafisica pastorale. In un continuo richiamo ai lavori di Salvator Rosa ed alla paesaggistica classica con la suddivisione in primo piano, piano intermedio e sfondo, dove la natura di Starck è arricchita con colori che tendono al metafisico e ci aprono le porte dinnanzi ad un nuovo mondo, inquietante a volte, ma geniale allo stesso tempo. I lavori di John sono rappresentati dalla Connor Contemporary Art di Washigntond DC e dalla Charlie Smith london di Londra.

Mi dici perché i miti e le leggende sono così importanti per te e che ruolo hanno nelle tue creazioni?
L’intera storia della pittura è cosparsa di riferimenti ai miti ed alle leggende di esseri umani che cercano di comprendere la loro natura. Lo trovo difficile da ignorare e cerco di portare avanti questa tradizione. Per me i miti servono come punti di partenza nei miei quadri e sono un modo di attribuire un significato attraverso la narrazione, a volte sono ripresentati, inventati o resi ibridi tramite riferimenti alla cultura pop contemporanea, così che il significato si sposti attraverso la sua ricontestualizzazzione.

Lasci all’osservatore la facoltà di avere la sua personale interpretazione del mito che vede nelle tue opere, ma in un certo qual modo crei quello stato d’animo e conduci l’osservatore in una terra straniera, cosa ne pensi?
Sì, ciò è dovuto al modo in cui uso gli elementi narrativi all’interno di una serie di quadri. M’interessa il modo in cui i quadri possono narrare una storia semplicemente mostrando elementi parziali e poi l’osservatore è condotto all’interno del processo al fine di completarne la narrazione.

Le nuvole hanno un grande ruolo in molte delle tue opere, sono bellissime e la luce che creano è magica, come se qualcosa di catastrofico, oscuro o strano stesse per accadere, è così?
Sì, esiste una forte sensazione di cattivo presagio in tutto il mio lavoro che deriva dalle mie personali sensazioni nei confronti del mondo che rifletto nei miei quadri.

Cosa pensi del potere della natura?
Travolgente, una forza da non sottovalutare.

Ho visto molti simboli nelle tue creazioni, puoi parlarmene?
Uso il simbolismo come un mezzo per seguire le tradizioni del passato ma anche per creare strati molteplici di significato.

Da dove arriva l’idea per queste creazioni, qual è il tuo mito preferito?
Comincia sempre con la pittura, devo trovare il giusto tipo d'immaginario o di narrazione che può servire da tramite per la pittura. In genere, un quadro porta all’altro e vado avanti con la storia un pò come, credo, un regista può fare con un film.

Personalmente adoro l’aura romantica e, in un certo senso, leziosa che vedo nei tuoi quadri, che crea uno scenario apocalittico, come ti riesce?
Tutto sta semplicemente nel modo in cui dipingo e poi viene riflesso dall’immaginario apertamente estremo, pieno di luce intensa e di sfondi drammatici che caratterizzano i quadri di paesaggi romantici o sublimi. Dipingo in questo modo per creare un’immagine leziosa del romanticismo e per intaccare il sublime.

A quale artista di senti più vicino?
Ce ne sono molti, per citarne alcuni, così su due piedi, direi Salvatore Rosa, Joachim Patenir, Casper David Friedrich.....

Esistono dei riferimenti al rinascimento nei tuoi paesaggi ed alcuni concetti medievali come la religione, l’alchimia mischiati al tuo personale punto di vista nella creazione di una storia narrativa, come ci riesci?
Onestamente non so, è tutto quello che suscita il mio interesse ma come venga assemblato è un mistero anche per me…forse è semplicemente strappato dall’etere !

La copertina dell’album dei Crystal Fighters è ad oggi una delle opere migliori, come li hai conosciuti?
Una strana coincidenza.

Qual è la storia che c’è dietro quella copertina? Sei stato ispirato dalla loro musica per quella creazione?
Be’, dopo diversi incontri e corrispondenza ci siamo scambiati delle idee ed ho conosciuto la loro musica in quel modo, avevamo molti interessi in comune e quindi è stato facile mettersi d’accordo sul da farsi.

Com’è vivere da artista?
E’ un’esistenza molto semplice e solitaria, a volte è duro ma anche molto liberatorio essere libero e padrone del tuo tempo. Ho bisogno di molta autodisciplina e ce l’ho e mi piace svegliarmi ogni giorno per andare al mio studio.

Nella casa del tuo collezionista, dove immagini che i tuoi quadri starebbero meglio?
Sarebbero perfetti sopra il camino.

Diamond Rings - Photography

2011-03-23T02:15:00.000-07:00

The Drums - Photography

2011-03-23T02:14:00.000-07:00

Good Natured - Photography

2011-03-23T02:11:00.000-07:00

David Mayer Naman Campaing SS 2011 - Styling

2011-03-14T07:42:00.000-07:00

Frankie Morello Sexywear S/S 2011 - Styling

2011-03-07T07:12:00.000-08:00

Lady Fag - Interview

2011-03-07T03:08:00.000-08:00

If you really want to feel NYC and know the essence of it you should go at one of the 6 parties a week Ladyfag is hosting in the city, she’s the girl everyone wants to know, and yes, if you leave New York without seeing her once you can’t tell you have seen New York. The first time I’ve met her I had the same feeling I’ve proved when I’ve met Catherine Baba; an overwhelming sense of style, they both irradiate. It’s hard to not fall in love with her at first sight, sometimes there’re people that are able to live their lives as a piece of art, making their existence stylish and extraordinary and Ladyfag is one of these people.

Ok let’s start form the beginning when did you become Ladyfag?
Ladyfag was born on an art gallery floor. I wrote and performed a
piece called Ladyfag: A Love Story. It was a group show put on by Sook
Yin Lee about different incarnations of outsiders. It was my dark
fairytale lovestory to the gay men in my life and what role I play in
the world I inhabit.

You are originally from Canada than you moved to NY which is the thing you like most about this city?
It can be a tough town, people don't just happen to live here. If you are here it's cause you have some personal dream of what this city can offer. The energy of a place full of creative desires keeps it vibrant and inspiring. It pushes me to my limits which is where I'm happiest.

Do you have some latin genes in your blood you are so passionate and warm...
I often say that I'm a Chilanga. A Mexico city girl. So while It might not run through my blood it flows through my heart. I clam a lot of things that aren't technically true... I'm also a fag. I'm a believer in being proud of not only who you are but what you make yourself to be.

What do you think about Frida Kahlo?
Frida is always a source of inspiration. It's not just her artwork that resonates, but her story and her politics. It's personal for me as I spent a lot of time in Mexico, which became a sort of adopted culture that I carry a lot of love for. Her use of fashion as political statement is something that resonates deeply with me, but I feel that way about many women. Nancy Cunard is another prime example, which is where my bangle fetish comes from. As for Frida, there's a Disneyfication of her in the world which is a good and bad thing. It's great that her work is known to the mass, but to simplfy her as this tortured woman artist is a shame. She'd probably roll over in her grave if she saw keychains of her self in souvenier shops. Mexico has a strong revolutionary spirit at the core of it's people and she's a beautiful example of that and I often reference her as an homage.

How much time do you spend about the outfit or the look you what to have for one night?
Minutes to hours to days. People usually plan an outfit or a costume for one night. My life is one big stage, so I'm always busy working in my dressing room plotting furture 'Looks'. Sometimes I have ideas in my head that I've been toying with, but more often than not it's a mad professor sort of scenario. I go into my dressing room start blasting music, the hangers start flying, home accessories start getting ripped off my walls and fashioned into headpieces, then I hit up my tower of shoes, slip em on and run into the night!

I think that style is a kind of gift, there’s people that can be fabulous
even just wearing a piece of rag, and other that even if they are weraring latest designer’s dress they look like shit, Can you tell me what style means for you?
Fashion is an industry where clothes are for the consumer. Style and true fashion is an artform, and a means of creative expression. Even if I'm dressed casually it's fully thought out, there's always a mood or a statement, that I'm trying to make. Sometimes I do it just for me, and at times for an aufdience. Art shouldn't just be relegated to walls, it should be shared. I carry it on me at all times. My most often worn accessory is my bruises. I like throwing myself into my parties literally, be it jumping on the bar or crawling through the dancefloor. Now matter how pressed I look I can never look perfect with black and blue bruises all over me. Keeps things in perspective.

Beening a fashion stylist myself I would say you may like desinger’s
dresses like McQueen, Galliano, Westwood, Lacroix do you have any favourite?
Looks like you've done your research you've named my top 4. Add in Ricardo Tisci for some dark romanticism, and Mugler for some sharp theatrics and you've got my dream team. I'm not quite Ladylike enough for Alaia but I love it and I'm working on getting there! But just as I'm not a size queen I'm not a label whore either. I love vintage. I love wearing things that no one else will have and just being creative with fashion. While I'd love a Treacy on my head sometimes a perched lampshade can look just as fabulous.

I know it’s not fair to ask what’s in a lady’s pourse, but what’s in yours?
It's more like a fashionable party first aid kit in there....bandaids, bobbypins and aspirins!! There's also always an abundance of drink tickets. Which is why sometimes when people say hello they're really just waiting for me to open it!!

Fashion is a medium through which you can disseminate message which is yours?
Be yourself. Whatever you wear should be an extension of what you're trying to say.I guess that might imply I'm schitzophrenic...all the voices in my head scream pretty loud so I have to let them out through my style.

So you are hosting 5 nights in NY, can you tell me something about it?
I've hosted up to 6 parties a week. Now that I'm producing them too I had to let some go as there's much more involved. The trick is to work hard so they run seamlessly and people don't realize that there's any work and just get lost in the experience. I have lots of little subworlds of people in my life so I have 3 parties that have completely different vibes. I do Friday, Saturday and Sunday, then Monday is my "Suicide Monday" recovering day.

Is it hard to be a host, is it like acting sometimes, making always people welcome and happy when they join to your party?
At times it can be really intense. Beyond having to deal with the actual logistics of the event, I have to be available for everyone to feel welcome. When too many people start grabbing at me I sometimes sneak to the bathroom to just to sit and breathe a few minutes alone. But I'm not complaining, I have a lot of fun, and its really rewarding seeing everyone getting lost in the magic of a good party.

Getting paid or getting recognized...or maybe both?
We always laugh in my house that it's "All caché no cash!" I'm just as happy sitting at the shows in paris as I am dancing in an east Village dive bar with my friends... but hey the money doesn't hurt...especially if one day this FAG wants to be an Alaia LADY!

Frankie Morello Men F/W 2011 - Styling

2011-01-24T01:16:00.001-08:00

Yannis FOALS - Photography

2010-12-29T11:12:00.000-08:00

Release Da Boar - Styling

2010-12-29T11:00:00.000-08:00

Terence Koh - Interview

2010-12-29T10:47:00.000-08:00

Era il 2003 la prima volta che ho intervistato Terence Koh, all’epoca era conosciuto sotto il nome di Asian Punk Boy. Ciò che mi colpì sette anni fa, quando stava emergendo come artista, era il suo modo di vedere le cose, i suoi lavori a volte estremi e forti erano proposti con la più delicata semplicità e naturalezza. La nostra conversazione si era incentrata sul sesso e sulla pornografia, argomenti per nulla sfiorati questa volta. Oggi Terence è l’incarnazione perfetta dell’artista contemporaneo di fama mondiale, che ha già al suo attivo personali al Whitney Museum di New York e alla Tate Gallery di Londra. Fortunatamente la fama non ha spento la sua spontaneità e continua ad essere il fanciullo spensierato che cammina in questo “bianco” mondo.

Come artista ti ricordi il momento in cui il nome “Terence Koh” si stava cristallizzando in uno dei più grandi nomi nell’arte contemporanea?
Spero che il mio nome non diventi solo grande nell’arte, vorrei che Terence Koh fosse più che il nome, la persona che rende gli altri esseri umani felici e speranzosi. Spoero inoltre di poter avere l’abilità di rendere il mondo un posto meraviglioso, più pacifico e mostrare che l’amore è possibile in ogni cosa.

Che differenza c’è nella tua vita da quando sei diventato famoso?
Continuo a non riuscire mai ad addormentarmi, continuo ad amare i miei gattini e faccio ancora sogni bianchi, amo rannicchiarmi nel letto la mattina con i miei gatti e con Garrick. Insieme siamo una famiglia e per noi siamo famosi, siamo devoti l’un l’altro in quel letto. Questa è per me la miglior forma di fama.

Ti piace l’attenzione del mondo dell’arte?
Il mondo dell’arte è crudelmente tranquillo, pazzo e altre volte dolce. Non sono sicuro che mi piaccia poi così tanto essere guardato da quel mondo, è come una grande sorella che pensa di essere troppo foo foo la maggior parte del tempo.

Sei ancora agitato prima di fare una performance?
Sì, sopratutto ora che sono sobrio.

Hai fatto una performance con Lady GaGa. Ho adorato voi due insieme, perchè per me è stata l’unione di due tra le più grandi icone, una dell’arte e l’altra della musica pop. Che ricordi hai di quella esperienza? Cosa pensi di Lady GaGa?
Credo che noi due siamo come bambini che giocano, come se facessimo dei castelli di sabbia. Lei per me è come una sorella e una fata. Lei ha le scintille, è ricca di energia positiva e di vitalità. Insieme creiamo arcobaleni e spero che questi arcobaleni illuminino l’arte della gente con cura e magia.

Nel luglio del 2009 ti sei sposato con il tuo storico fidanzato Garrick Gott. È stato il matrimonio dei tuoi sogni? Che ricordo hai di quel giorno?
Mi sono sposato sia perchè volevo indossare un’enorme spumoso abito bianco nuziale ed anche perchè volevo dimostrare che due persone che si amano possono sposarsi sia che sia legale o non. Quando credi davvero in qualcosa, quando fai vedere che c’è un amore forte nel mondo, devi farlo perchè aiuti le generazioni successive. L’umanità consiste nel far diventare i nostri figli ed i figli dei loro figli sempre più l’essenza del puro amore. Naturalmente parte di questo amore può essere segreto, i ricordi amorosi possono essere segreti, così in questo giorno di nozze ne ho imbottigliati un pò nella mia testa come un profumo. Forse esiste un’essenza che viaggia per tutto il mondo e che fa sì che due persone possano unirsi e dare amore.

Su internet in alcuni siti e blog fashion si dice che tu sia interessato alla moda, cosa ti piace di questo mondo?
È soltanto un gossip. Indosso gli stessi vestiti più o meno tutti i giorni. Alcuni mesi fa ho deciso di indossare solo il bianco per il resto della mia vita, semplifica davvero le cose, inoltre tendo a non voler dire il mondo della moda, il mondo della musica, il mondo dell’opera, il mondo dell’arte, il mondo dell’ingegneria, o il mondo della cucina. Il mondo è uno e noi siamo i suoi figli.

Credo tu sia l’unico uomo che possa indossare look total white e stare sempre bene, mi dici com’è nata la tua passione per il bianco?
Mi piace il bianco perchè su di esso puoi vedere chiaramente le cose non bianche, non m’interessa che si sporchi facilmente, è la vita. Per me è come un sentimento d’innocenza vedere il bianco che si sporca. Puoi sempre candeggiarlo, ovviamente con una candeggina ed un detergente che rispetta l’ambiente. Non lavate troppo spesso, risparmiamo l’acqua!

Come artista concettuale, la tua arte si basa su idee. Quante idee hai al giorno?
Sai che posso rispondere a questa domanda Alex. Anche se concettualmente è concettualmente impossibile rispondere concettualmente ad una domanda concettuale.

Ok allora rigiro la domanda, hai mai paura che le tue idee possano esaurirsi?
Sono felice perchè so che avrò sempre delle idee.

Credi esista un modo per evitare la banalità?
Cercare di rendere te stesso davvero felice. La tua felicità dovrebbe galleggiare nel mondo, è l’anti-banalità, come la banana split è il fantasma di un’orchidea.

Brandon Herman - Interview

2010-12-29T10:18:00.000-08:00

Quanto è cambiata la tua vita dall’ultima volta che ti ho intervistato, un paio di anni fa?
Tanto? Haha, non so. Per quanto riguarda il mio lavoro, credo che la mia attitudine sia diventata molto meno contenuta. C’è sempre stato un elemento esperienziale nel quale mi piace usare l’arte come un catalizzatore per avere esperienze, ma l’ho spinto molto più in là. In ogni progetto confondo sempre di più le righe tra quando e dove il lavoro inizia e finisce. Per il progetto intitolato “My Vacation With A Kidnapper," una parte del concetto era che andassi in vacanza con un perfetto sconosciuto. Così ero a Los Angeles con questo ragazzino che avevo scelto, che conoscevo appena e che era partito da New York con me, ed ero stressato perché prima di allora avevo sempre fotografato amici stretti ed ora mi ritrovavo senza quell’intimità e confidenza ed ero preoccupato per tutti i soldi che stavo spendendo per quel viaggio chiedendomi se avevo sbagliato. Avevo poi chiesto al produttore di trovare dei posti e coordinare tutto e lui aveva una personalità volatile e litigavamo continuamente. Prendevo anche degli antidepressivi ed ho deciso a metà strada che non stavano funzionando, così ho smesso di botto, senza diminuirli gradualmente come si dovrebbe fare, e ciò mi ha fatto realmente impazzire, mi capitava di essere maniaco per due ore e poi aver voglia di piangere per 45 minuti. E’ stato intenso. E carico di emozioni. Ed anche se all’epoca era orribile, mi sono reso conto di aver in realtà semplicemente aumentato l’intensità ed il senso del viaggio delle esperienze che potevo creare. E ho attribuito ciò principalmente al fatto che vi era stata una struttura con la quale mi ero avvicinato al progetto (ossia il mio concetto, i miei interessi, la mia ricerca, il materiale d’ispirazione che avevo raccolto, i posti nei quali volevo andare, le richieste che avevo fatto del produttore) che erano tutti gli elementi che stavo controllando, e poi c’erano i fattori confusionali che ho citato prima (l’abbandono degli antidepressivi, le liti con il produttore –oh l’ho anche licenziato a metà lavoro, il che ha reso il tutto ancora più caotico, e prendevo molto Vicodin). Così quello è stato un punto di svolta per me e da lì in poi ho iniziato a vedere il lavoro come un gioco con un certo numero di elementi controllati e di fattori caotici. Ed è così che lavoro da allora.

I tuoi nuovi lavori evocano le atmosfere più tangibili di ambienti e luoghi. Quanto è stato influenzato il tuo lavoro da set familiari a te, come Hollywood e i sobborghi di Los Angeles?
Hollywood e Los Angeles in generale hanno avuto una grande influenza. Sono sempre stato interessato al modo in cui la fantasia colora la percezione del mondo reale. Vi è lì una tale relazione difficile da spiegare. Quando si pensa alla fantasia, si pensa alla creazione dell’immaginario all’interno dello spazio mentale, e ciò sembra caratteristicamente contraddittorio nei confronti di un’esperienza sensoriale del mondo fisico che ci circonda. Ma obietterei che qualsiasi informazione sensoriale che si ha è sempre fatta in questo modo attraverso il filtro delle fantasie di ognuno, anche originariamente formate tramite informazioni sensoriali originariamente ricevute dal mondo esterno. Direi che è impossibile separare del tutto il reale dall’immaginario. C’è così tanto qui a Los Angeles da far esplodere la mia fantasia che nella mia testa vivo costantemente in un mondo da film. Questo posto ha questo potere. Leggo anche libri ambientanti a Los Angeles, per far sì che diventi nuovamente esotico questo posto che sta diventando invece per me molto familiare. Ma non ho necessariamente bisogno di far ciò. Ironicamente, la maggior parte dei lavori più recenti non è stata in realtà fatta qui. Ma proprio come in un film di Hollywood, a volte devi andare sul posto e portare Hollywood altrove.

Ieri sera leggevo un articolo sul nuovo libro di Bret Easton Ellis Imperial Bedrooms, lui ha lasciato NY perché non era stimolante, mentre Jay McInerney diceva che non avrebbe mai lasciato NYC. E’ vero che ti sei trasferito a Los Angeles a causa della mancanza di ispirazione che sentivi a NYC?
Sembrerà strano, ma Bret Easton Ellis è il mio autore preferito anche se non ho mai letto uno dei suoi libri. Li ho tutti, ma non riesco a leggerli. Credo di non voler rovinare la piena comprensione che ho di lui e del suo lavoro. Guardo le sue foto e l’ho visto ad una inaugurazione ed ero totalmente ipnotizzato e conosco esattamente l’emozione che si prova nel leggere i suoi libri. Ho avuto la stessa esperienza con Sharon Tate. Ho deciso di realizzare un intero progetto intorno a lei ma non ho mai visto nessuno dei suoi film. Conoscevo solo la storia del suo assassinio e poi ho fatto delle ricerche sulla sua vita e sulle vite delle persone a lei collegate come Polanski ed ho trovato dettagli intimi su molte cose che ruotavano attorno a lei, ma non ho mai voluto realmente vivere quell’esperienza che sono sicuro molti direbbero che è il dettaglio più importante che la riguarda, i suoi film. Ritengo però di avere una piena comprensione di chi sia lei e di come potrebbero essere i suoi lavori cinematografici.Forse mi piace semplicemente avere quei buchi da riempire con la mia fantasia. Forse troppi dettagli possono essere limitativi.

Cos’è che ti ispira a Los Angeles?
Sembra come se ci fosse sempre al tramonto. Il cielo è bellissimo.È drammatico. Ed il paesaggio è drammatico. Un panorama a Los Angeles va avanti per un tempo illimitato. Fuori dalla finestra della mia camera proprio ora vedo questa nebbia fitta ed una coltre di nubi su tutte le colline di Hollywood e mi sento come se stessi guardando la foschia che copre una città in collina nel Congo. Ma la mia strada sembra Miami. L’altro giorno andavo in bicicletta qui vicino ed avrei giurato di essere in Inghilterra. A New York ti sembra fondamentalmente sempre di essere a New York. New York è grande, ma ti dà anche quella sensazione di finito e contenuto, impilato su se stesso. Los Angeles è una distesa. Sembra infinita. Credo che questo richiami la mia idea dei panorami.

Ci sono tempi in cui una città t’ispira più di un’altra, come dicevamo mesi fa, è dal 1993 che non vengo a Los Angeles. Non so, ma sento che ora mi potrebbe stimolare, come invece non lo ha fatto quando sono venuto lì per la prima volta. Se venissi a trovarti, dove mi porteresti per farmi amare questa grande città?
Se fossi totalmente incaricato di creare una “Los Angeles experience” per te e la posta in gioco fosse quella di insegnarti ad amare L.A. altrimenti moriresti, chiederei di farti invertire i tuoi ritmi del sonno, ti farei svegliare al tramonto ed andare a dormire all’alba. In quel modo apriresti gli occhi avendo davanti la bellezza sporca, viva e un pò brilla che si trova nel tramonto di Los Angeles. E poi vivresti L.A. di notte, che è a mio avviso, la Los Angeles più entusiasmante. Qualcosa nella geografia di questa città implica l’esistenza di un ventre oscuro molto diverso da qualsiasi altra grande città in cui sono stato. L’espansività qui ti permette la privacy. E la privacy permette l’esistenza di un lato più oscuro e sporco. E al di sopra, intorno e in cima a questo lato oscuro risplendono i neon del Sunset Strip, i fari degli stop sulla superstrada, le luci degli elicotteri della polizia, i riflettori delle prime dei film, i fari che attraversano Laurel Canyon nella vallata. Delle notti andremmo in bicicletta, sfrecciando tra le strade per vedere tutto da vicino, alla ricerca di strani ristoranti, bar nascosti, feste private e club di striptease. Altre notti invece andremmo in macchina per andare oltre e vedere da più lontano, prenderemmo del cibo da asporto in macchina, parcheggeremmo l’auto e ci ubriacheremmo, sfrecceremmo per le curve di Mulholland con le gomme stridenti e prenderemmo la superstrada fino al deserto e fino all’oceano.

Ok Brandon, mi hai convinto! Tornado al tuo lavoro quando vedi la foto nella sua forma finale, quanto si avvicina a quella che avevi concepito nella tua testa, che avevi visto nella tua testa prima che il tutto prendesse forma? Esiste già nella tua mente, forse per lungo tempo, o semplicemente accade?
Prima avevo immagini molto specifiche nella mia testa e cercavo di ricrearle. Ma ora sono più per l’esperienza e la confusione e per l’essere travolto dal gioco che ho creato fino al punto in cui mi perdo nella mia stessa fantasia. E poi voglio che il lavoro siano piccoli souvenir di questo. Fotogrammi di un film in cui vivo con i protagonisti.

Una volta mi hai detto : “Rubo da ogni artista, film, rivista, da tutto”. Da dove hai rubato questa volta per queste nuove serie?
David Lynch. Sempre David Lynch. Kenneth Anger. Gregg Araki.

C’è un’atmosfera noir nei tuoi nuovi lavori. Me ne parli?
C’è qualcosa di liberatorio nell’oscurità. Quando faccio un lavoro, tutte le persone coinvolte (anche quelle che non sono nelle foto) hanno dei personaggi che ho creato per loro e facciamo molti giochi di ruolo. L’oscurità rende tutto ciò più pericoloso. La luce del sole rivela troppo. Al buio, c’è molto da riempire con la fantasia ed io trovo tutto ciò molto eccitante.

Mi dici qualcosa sulla ragazza bionda?
È un’attrice di Los Angeles. L’accordo che ho fatto con lei consisteva nel darle un viaggio gratuito di due settimane per l’Europa in cambio di una falsa identità da me pensata per lei per tutto il tempo. Così abbiamo fatto fare su misura tutto il guardaroba e le parrucche ed inventato nome e storia. In realtà c’è più di una ragazza bionda. E la seconda ragazza faceva anche la parte del produttore e contemporaneamente le è stato chiesto di osservare la prima ragazza per la prima settimana e poi di assumere la sua falsa identità per la seconda settimana. Avevamo dei doppioni di ogni parrucca e vestito, quindi abbiamo potuto farlo. Avere poi il produttore che aveva un ruolo ha favorito la confusione ed il caos.

Molte di queste foto sono state scattate durante la notte. Che tipo di pensieri hai solitamente al buio?
Pensieri sporchi che fanno paura. Penso di aver bisogno d’aiuto. Ah Ah

Paul Smith - Photography

2010-12-29T10:16:00.000-08:00

Jonathan Hobin - Interview

2010-12-29T10:08:00.000-08:00

Le fotografie di Jonathan Hobin navigano nel lato più dark dell’infanzia, dove vecchie filastrocche celano capricci di bambini non poi così innocenti quanto potremmo pensare o dove eventi terribili, che hanno segnato i nostri decenni, si sono trasformati in giochi infantili. Immagini facilmente fraintendibili e scomode a molti, un modo differente di vedere l’infanzia ed il mondo ludico che la caratterizza, dove i bambini sono forti. The Kids Are Still Alright.

Il lato oscuro dell’infanzia è qualcosa che mi ha sempre affascinato, che cosa pensi di questo tema? Che infanzia hai avuto?
L’infanzia non è stata per me un periodo piacevole. Nonostante sia cresciuto in un ambiente molto amorevole e solidale, spesso ero confuso e solitario. A causa di un continuo senso di colpa sono sempre stato un bambino introspettivo e tutto ciò ovviamente è stato per me problematico. Sostanzialmente, se pensavo a lungo a qualcosa, la mia mente era solita vagare all'interno di tutte le possibilità oscure che ppotevano presentarsi. Probabilmente tutto è successo per una serie d’esperienze che mi sono capitate durante la mia prima infanzia. Puoi chiamarla perdita d’innocenza, ma credo che la maggior parte delle persone vivano un’esperienza che li sveglia dalle realtà più dark del nostro mondo. Il cambiamento può avvenire in qualsiasi momento e credo che il mio forse sia avvenuto un pochino prima del solito. Questo cambiamento nella mia mentalità è ciò che mi ha permesso di sperimentare sia l’euforica gioia dell’infanzia, sia la paura che ne deriva dalla totale assenza di esperienza e di abilità nel risolvere il problema. L’ignoto era terrificante per me ed ho cominciato ad essere molto conscio del mondo che mi stava attorno fin da piccolo. Credo che tutto ciò fosse un modo inconscio di proteggermi. Questa mentalità è ciò che mi ha permesso di riconoscere il lato più oscuro delle filastrocche fin da bambino, che poi sono diventate la mia ispirazione per la mia prima serie di lavori, Mother Goose.

Le tue foto mi piacciono molto, credo sia difficile passargli accanto senza provare nulla, per esempio nella serie Mother Goose c’è un sentimento macabro e le espressioni dei bambini sono di apatia ed impassibilità, me ne parli?
La serie Mother Goose si riferisce alla conoscenza sia del lato oscuro che di quello capriccioso della natura dell’infanzia. La maggior parte di noi sono soliti dimenticare velocemente i momenti più scomodi della nostra giovinezza. Tendiamo a creare una fantasia su ciò che è stata la nostra esperienza. Le immagini di Mother Goose sono anche la creazione di una fantasia infantile attraverso la metafora, riflettono sia l’oscurità che la luce. La conoscenza dell’oscurità è qualcosa che ho dovuto accettare come uno dei temi principali del mio lavoro. Le immagini di questa serie all’inizio sembrano innocenti, ma sotto la superficie appare una storia differente, così la morale, che è la chiave di lettura della filastrocca, diventa più chiara. Spero che chi osserva le mie immagini possa quindi rendersi conto che queste tematiche orribili stanno sagomando le esperienze infantili di innumervoli giovani.

Chi sono i bambini che hai usato nelle tue foto? Dove li hai trovati?
I bambini della serie Mother Goose sono tre fratelli a cui mi sono avvicinato dopo la morte del padre. La morte è diventato un tema ricorrente nella loro vita avendo dovuto affrontare la perdita di quattro membri della loro famiglia, tra cui i due nonni nello stesso giorno. Hanno sperimentato un numero di grandi prove nella loro giovane vita e stranamente sono diventati la perfetta rappresentazione e le muse per quel lavoro.

Ricordo che anni fa ho curato lo styling per un servizio con dei bambini e per me è stato un’incubo, non tanto per i bambini quanto per i genitori che erano sul set, hai avuto gli stessi miei problemi?
Adoro lavorare con i bambini. Sono così pazzi che spesso quando li fotografo creano un senso di leggerezza. Sono difficili da gestire, ma devo ammettere che ne vale la pena. Anche per quanto riguarda i loro genitori, la maggior parte di loro sono stati fantastici. Solitamente spiego ciò che farò nel mio lavoro il giorno prima dello shooting per far sì che tutti siano d’accordo sulla direzione artistica. I genitori che sono d’accordo solitamente sono attenti e solidali.

Credo che i bambini si divertano un sacco mentre fanno le tue fotografie, probabilmente sono gli adulti quelli che si posso sentire più infastiditi dalle situazioni in cui ritrai i bambini. Ho ragione?
Per me i bambini capiscono molto più di quanto noi crediamo... Hai ragione, I bambini si divertono mentre scatto le mie fotografie. Si devono vestire ed essere al centro dell’attenzione per un pò. Dopo che tutto è finito si possono rivedere sulle riviste o sulle pareti di una galleria ed anche questo a loro piace un sacco. Alcuni bambini capisco esattamente il contesto di alcune mie immagini e sopratutto a cosa alludono, loro giocano già con le pistole o con le figurine di guerra, per loro non c’è differenza. Molti dei miei critici pensano che l’uso dei bambini nelle mie fotografie sia un abuso, che cosa che per me è ridicola per me è ridicolo. Queste immagini rivelano ciò che i bambini vedono della nostra società e come sia riflessa nei media. Tutto questo mette le persone a disagio e credo che la critica sia solo una reazione sbagliata al loro disagio. I bambini si divertono, ma sono gli adulti che sono complessati.

Mi colpisce il fatto, che le tue fotografie stiano raccontando una storia e sopratutto che siano così colme di dettagli, quanto hai chiara nella tua mente l’idea ed il set in cui vuoi collocare i bambini?
Il soggetto dell’argomento dell’immagine sembra che mi si riveli da solo. I ricordi della mia infanzia mi sono molto vicini così, quando vedo qualcosa nei media, è semplice per me immaginare come questa cosa possa essere percepita da un bambino. Da quel momento inizio a ricreare un set nella mia mente e a riempirlo con cose che erano magiche per me quando ero bambino. Il passo successivo è lo schizzo e poi la raccolta di vestiti e di props. Il set si evolve durante il tempo finché non sento che è finalmente completo nel momento in cui ho deciso di creare la fotografia. Lo vedo quasi più come un quadro foto-realistico che una semplice fotografia. Non so, ma mettere quei bambini in quelle situazioni drammatiche e tragiche, danno a quei momenti che noi tutti conosciamo un senso di bellezza, che dici? Ci può essere bellezza nella tragedia e c’è fragilità in noi come umani. Quella vulnerabilità è ciò ci incoraggia a difenderci l’un l’altro ed è attraverso questo desiderio di proteggerci che riconosciamo il nostro amore l’uno per l’altro. A volte vedere un’immagine scomoda può portarci verso concetti romantici di protezione e amore, che è nascosto sotto forma d’immagine narrativa.

Come mai hai deciso di trattare temi quali gravidanze inattese, abbandono, depressione, solitudine, disordini alimentari?
Sono tutti temi forti... Il fatto è che questi temi pesanti sono le realtà del nostro mondo. Faresti davvero fatica a trovare una sola persona che non abbia dovuto fronteggiare almeno uno di questi soggetti. Non riesco ad esprimere pienamente perchè io sia attratto dall’esplorare queste tematiche ma so che discuterne mi ricorda la nostra determinazione come persone.

Che cosa pensi delle filastrocche?
Credo che abbiano un loro fascino! Adoro il fatto che molte di esse si basino su eventi reali e mi piace come alcuni significati si siano persi col tempo, mi diverte come le stesse filastrocche siano lentamente cambiate per riflettere la società odierna che le racconta. Mi piace come il ritmo delle rime si basi senza dubbio su ritmi tribali che risuonano come molte culture intorno al mondo. Sicuramente c’è un mistero e una sorta di archivio della nostra storia orale. Le trovo molto affascinanti sotto molti livelli.

Nella serie In The Playroom, invece interpreti alcuni traumatici eventi dei nostri passati decenni come l’attacco al World Trade Center dell'11 settembre o la morte della Principessa Diana e ci mostri come i bambini potrebbero reagire a tali eventi. Me ne parli?
Ho preso spunto da eventi che sono accaduti durante la mia vita e li ho riflessi nei giochi dei bambini. Non è un concetto nuovo vedere riferimenti della nostra cultura riflessa nei giochi dei bambini; questo è ciò che caratterizza il gioco, che è uno strumento necessario e che i bambini usano per trattare e capire il mondo intorno a loro, una sorta di prova costumi. Quello che ho fatto è stato esagerare la riflessione di alcuni eventi che sono successi e di come sono stati trattati dai media. Le persone si sentono a disagio quando capiscono che anche i bambini hanno visto queste immagini. I bambini vedono le immagini in tv e nei giornali. La domanda che faccio in queste immagini è “Ci siamo evoluti oltre le favole di Mamma Oca? Sono forse questi nuovi avvenimenti? È la fiaba moderna che mette in guardia l’odierna gioventù?”

Credo che tu sapessi prima di iniziare con questa raccolta d’immagini che avresti potuto essere frainteso, giusto? Qual è la peggior critica che ti è stata mossa?
Ho sentito moltissime critiche da quando ho iniziato ad esporre questo lavoro. Molte delle quali, come puoi immaginarti, sono atroci. Mi hanno detto di tutto, da pervertito a razzista, non posso prendere questi commenti troppo seriamente ma ci sono stati commenti molto più positivi dalla maggioranza delle persone che hanno visto il lavoro in persona. L’unica cosa che trovo dolorosa è quando a una persona che non apprezza il mio lavoro, coglie l’opportunità di insultare i genitori dei bambini che hanno preso parte alle fotografie. Dovrei dire che tutti questi commenti non sono mai stati fatti in nessun incontro sull’arte ma bensì nel mondo dei blog dove l’anonimato protegge le persone dal dover difendere i propri commenti.

Jimmy Gnecco - Photography

2010-12-29T10:06:00.000-08:00

Pulled Apart By Horses - Photography

2010-12-29T10:03:00.000-08:00

Chapel Club - Photography

2010-12-29T03:19:00.001-08:00

Polly Morgan - Interview

2010-12-29T03:10:00.000-08:00

Dal momento in cui ho deciso di intervistare Polly Morgan, sapevo che alcune persone avrebbero potuto provare uno strano disagio davanti alle sue opere, anche fastidio, ma io volevo sapere chi è Polly e sentire con le sue parole come opera e cosa pensa. Il fatto che venga collezionata da Charles Saatchi, Damien Hirst, Kate Moss, Courtney Love e che Bansky sia stato uno dei sui primi scopritori, non ha rafforzato l’idea che già mi ero fatto delle sue opere, ovvero che sono arte con la A maiuscola. La sua arte può risultare scomoda, incomprensibile, forte, fastidiosa, ma è importante capire con che occhi la si sta guardando; io percepisco semplicemente bellezza e fragilità forse perchè Polly, a differenza di altri imbalsamatori, usa piccole creature nei suoi lavori, ma soprattutto si percepisce una certa sensibilità femminile che li caratterizza. La Tassidermia per anni è stata considerata qualcosa di strano e molti non la considerano tutt’ora una forma d’arte, tutt’al più qualcosa di macabro o kitsch. La tassidermia di Polly Morgan è assolutamente diversa da quella a cui siamo stati abituati, non mima la realtà bensì ne offre una sua libera interpretazione.

Cosa pensi degli animali imbalsamati conservati nei musei?
Sono polverosi e male conservati, e mi infastidisce che molti di questi musei continuino a esporre questi vecchi pezzi. Non credo che il fatto che siano rovinati gli aggiunga un valore storico, anzi non capisco perchè non possano essere sostituiti da altri moderni con una rappresentazione più accurata, ora abbiamo i mezzi e l’abilità per migliorare tali rappresentazioni.

Cosa pensi della tassidermia tradizionale?
Credo che gli animali siano meravigliosi e penso che si possa perdere la loro bellezza perdere la loro bellezza con la tassidermia tradizionale che, se non eseguita alla perfezione, può addirittura risultare comica. Anche se io non sono la migliore imbalsamatrice del mondo spero che la bellezza degli animali sia conservata nelle posizioni e nei setting in cui li colloco, usando proprio questa tecnica.

Ma perchè hai scelto proprio la tassidermia?
Ho sempre amato la tassidermia e non ne sono mai stata inquietata, inoltre mi da la possibilità di potermi avvicinare ad animali che in vita scapperebbero da me.

Ma quindi com’è cominciato il tutto?
Niente era pianificato. Ho semplicemente voluto imparare la tassidermia, che ho iniziato e praticato dal 2004. Poi un giorno un mio amico, proprietario di un ristorante, mi chiese di eseguire la tassidermia su alcuni animali per riempire delle campane di vetro. Senza alcuna istruzione, ho usato la mia immaginazione ed è venuto fuori ciò che mi piaceva e poi da lì sono stata incoraggiata a proseguire. È successo in maniera organica, ho avuto la mia stella fortunata.

Una delle opere che mi ha colpito particolarmente è quella in cui tanti piccoli uccellini escono da un feretro, me ne parli?
In quei buchi ho infilato pulcini di quaglia nati da un giorno. Sembra che stiano lottando per uscire o che siano affamati, mentre se li si guarda da una certa distanza potrebbero addirittura sembrare muschio o dei cirripedi che crescono sul lato del legno. Ho cercato di sovvertire la naturale reazione di tenerezza, in quest’opera, infatti, lo spettatore osserva dei pulcini che sembrano vermi, che a loro volta si moltiplicano ferocemente uno sull’altro. Ho inoltre voluto creare un lieve senso di panico alla vista di tutte quelle facce in cerca di nutrimento.

Immagino che ciò che fai sia sovente oggetto di critiche morali...
Nonostante ci sia una dichiarazione sul mio sito in cui chiarisco che nessuno dei miei animali è stato ucciso per mio uso, non ferma alcuni dall’essere offensivi. Ci sono state persone che hanno detto che è irresponsabile far vedere le mie opere ai bambini, il tutto è per me assurdo perchè non ho mai visto un bambino che non ne fosse intrigato. Un’altra critica che mi muovono è che vado in giro ad uccidere animali per il mio lavoro, questo per me, significherebbe fallire nel mio obiettivo, che non è uccidere bensì fare in modo che l’animale sembri ancora vivo. È perverso. Non lo farei. Non uccidete niente, ci sono un sacco di animali che muoiono per altre ragioni, si trovano ai lati della strada, nei campi o portati a casa dai gatti degli amici.

Cosa credi rappresentino le tue opere?
La bellezza del decadimento mi ha sempre affascinato, non è molto semplice fermarla e la tassidermia è un modo per ingannarla.

Aitor Saraiba - Interview

2010-12-29T03:05:00.000-08:00

Giovane artista spagnolo nato nel Patrocinio de San José, nella sua vita ha viaggiato moltissimo con il suo quaderno degli schizzi sotto braccio. Armato di matite, disegna il suo mondo, ciò che vive, chi incontra e chi desidera. Quello che colpisce subito nelle sue opere sono la semplicità dei tratti che mantiene puliti, ingenui come quelli di un bambino, mentre i temi ed i soggetti sono filtrati attraverso l’esperienza di un occhio adulto che rende il duplice aspetto interessante. La spontaneità del suo mondo è quella che solitamente un adulto abbandona, mentre Aitor ha saputo conservarla; onesta come quella che ci caratterizza nella nostra infanzia, ma che crescendo affievolisce.

Hai trascorso una bella estate?
Ho passato un’estate meravigliosa, ho trascorso gli ultimi mesi in una baita in Colorado, nel bel mezzo di una foresta con renne ed orsi.

Mi racconti qualcosa del tuo background?
Ho 27 anni e vengo da un piccolo paesino spagnolo dove non succede mai niente. Quando avevo 12 anni ho iniziato ad ascoltare i Metallica e i Nirvana. Ho lasciato la casa dei miei genitori circa dieci anni fa e non ho ancora un posto fisso in cui vivere. Ho viaggiato tanto tra L.A., il Messico, la Spagna e l’Inghilterra, cercando un posto in cui fermarmi.

Vai sempre in giro con il tuo quaderno degli schizzi o devi trovarti in un posto particolare per disegnare?
Viaggio sempre con il mio quaderno degli schizzi e disegno ovunque.

Guardando i tuoi disegni ti ho immaginato come uno di quei bambini che a scuola disegnavano sempre durante le lezioni, ho ragione?
Sì. Un giorno farò una mostra con tutti i disegni che ho fatto durante le ore di lezione a scuola e credo la chiamerò “ Math Class”.

Che tipo eri alle elementari?
Ovviamente ero lo strano, che ascoltava Heavy Metal e indossava le magliette di Hello Kitty. Era difficile trovare amici.

La tua arte è semplice e forte allo stesso modo, come decidi i soggetti dei tuoi disegni?
Rappresentano la mia vita, sono semplice e provo ad essere forte.

C’è molto sangue e morte nei tuoi disegni...
C’è molto sangue e morte nel mondo ed io non ho paura a parlarne.

I tratti dei tuoi disegni si sono evoluti con gli anni, quando hai deciso che volevi disegnare con questa tecnica?
I miei disegni cambiano, perchè anche la mia vita cambia e spero che sia qualcosa che non si fermerà mai. Non ho deciso di usare questa tecnica, è successo, non saprei disegnare in nessun altro modo se non questo, è l’unica tecnica che possiedo.

Orsi (animali) e orsi (uomini) sono spesso rappresentati nei tuoi disegni, cosa ti piace di questo scenario?
I peli.

Nella tua prima raccolta di lavori hai disegnato cantanti come Bjork, Michael Jackson, Madonna e alcuni soggetti chiave degli anni ’80 come Teenwolf e i Greemlins, me ne parli?
Ho fatto quei disegni quando stavo preparando il mio libro sulle generazioni “Un Pony Muerto” ed ho pensato a cose che erano specifiche per la mia generazione nella cultura occidentale. È stato di sicuro il mio lavoro più pop.

Cosa ti eccita?
Russel Crowe, i racconti di Roberto Bolaño e le persone dal cuore coraggioso.

Trovo interessante che i tuoi lavori siano realizzati in piccolo formato, hai presente quelli che una persona potrebbe fare sui quaderni degli schizzi, pezzi di carta...
Ho viaggiato tanto con pochi soldi, tutto ciò che ho è un quaderno e matite. Non ho mai voluto che i soldi o lo spazio diventassero un ostacolo al mio lavoro.

La tua giornata classica?
Ogni giorno provo a lavorare, mangiare buon cibo, leggere e creare qualcosa.

Qual è il lato che preferisci dell’essere un artista?
Esprimere me stesso nella mia lingua.

Il tuo progetto futuro?
Finire il documentario sul mio vicinato in Spagna e formare una hardcore punk band.

Jamaica - Photography

2010-12-29T03:02:00.000-08:00

Jaimie Warren - Interview

2010-12-16T08:14:00.000-08:00

I like to imagine Jaimie as that big talented girl from Kansas City, Missouri with the word “fun” carved in her heart. The first time I’ve seen her photographs I started smiling, because she’s making art from pictures that people just take of themselves when they want to have fun, but most of the time they don’t show them to anyone, but Jaimie shows them to us. In her pictures and in what she does, as a performer we can see her extraordinary human comedy of the world she plays in or where she and her friends prefer to live. Never serious is her point of view of the world she stalks, having the rare ability to walk the thin line between gross and beautiful but always being real and impulsively unique.

How are things in Kansas City?
Things are just the way I like them – Slow! Ha ha. Slow and boring!! It’s quiet, there is tons of space, I can go to the free pool on top of the grocery store and drink a mai tai while Lil Jon is blasting, I can make garbage outfits with my roommate (who is an amazing fashion designer- Peggy Noland (www.peggynoland.com)), or I can tip cows and make mudpies in my spare time.
Why do you love Kansas City?
I think I love it because it is super cheap, I have amazing friends to make super fun projects with all the time, and I have the support to do pretty much anything I want. Plus, I have been working with the same friends for so long that we have developed this very weird sense of humor that really helps my work. And we aren’t bombarded with insignificant things like parties and art and fashion!! Hee hee
The instinctive part is the great thing about making art. The surprises you find are what's interesting. Do you think you're an intuitive artist?
It’s hard for me to tell! Often times, I think the things that I find funny are not funny to other people at all. I have this very strong desire to always have this awkward, “wtf??” sort of aspect to my work. Like the more awkward or embarrassing it is, the more successful it is. But I think people often walk away with a very confused and maybe even ashamed sort of feeling with what I do – at least with my performance work. I find that to be when the work is the most successful, but I think I’m the only one that feels that way.
Do you think your work has more humour than it gets credit for?
I’d like to think my work is funny… I know I think it’s funny! I’m really not into serious stuff. It makes me want to barf.
If you could animate one of your photographs and turn it into a movie, which one would you choose, and why?
This new one of the Garbage Heap from Fraggle Rock. It’s super inspired by Peggy’s garbage clothes, but also by a show that I grew up watching as a kid. This is a new piece I finished very recently for a show at Steven Kasher Gallery in New York called “Inspired”, curated by Beth Rudin DeWoody. It’s paired with a Lady GaGa image where she is wearing the frog outfit by Jean Charles de Castelbajac. The two images were paired up on totallylookslike.com because some weirdo thought they looked the same – which I loved! So I re-made it for the show. I would turn the two images into a movie about Lady GaGa and the Trash Heap’s awkward and sexual relationship.
Is there some kind of message you hope will come through your work?
Not really a message, I think I would just like people to be happy looking at my images, and to be able to relate to them, and maybe have the images inspire them to do something weird or silly or fun of their own. That would be rad.
You are a performance artist, when did you decide to be an actress in your photographs? Do you consider it acting?
I don’t really consider it acting, I guess, because I’m just being my silly ol’ self. It’s just spontaneous bursts of acting like a child, which I know is maybe both funny and disgusting.
How did Whoop Dee Doo get its start?
Whoop Dee Doo (www.whoopdeedoo.tv) started as a traveling art exhibition from Kansas City to a gallery in Miami called Rocket Projects, and so many performers came out from KC to Miami for the opening, that the performances ended up being the best part of the show! There is such a super weirdo range of performers in Kansas City, that it sort of inspired what the show came to be. Plus, it was mega-inspired by a public access television show in Chicago called Chic-a-go-go, a show where anyone from the public can come on the show and dance. It is so amazing! So we started our own, and added a bunch of twists. It’s sort of like a kids show for adults. Kids help make costumes, sets, props, etc., and the acts are an amazing range – from Celtic Bagpipers and Christian Mimes and Civil War Re-enactors to punk bands and drag queens and tons of other amazing people. It’s so much fun! Now we have about 22 volunteers. Matt Roche and I are the Co-Directors, and other big bosses are Leone Anne Reeves, Natalie Myers, Megan Mantia, Flannery Cashill, Chris Beer, Roger Link, Peggy Noland, Stuart Smith, Lee Heinemann, and others. Our crew is totally amazing. And we have traveled the show to lots of amazing places like the Bemis Center in Omaha, Deitch Projects in New York, the Smart Museum in Chicago, Loyal Gallery in Malmo, Sweden, and other rad places!
I think that you are perfect to act in a John Waters’ movie, would like to be part of?
Oh My Gosh Duh! I love John Waters! But I think maybe I’m hoping to be a little more David Lynch? Maybe not. I might not be smart enough for that. I would die to be in a John Waters film, or to hang out next to him and stare at him or something. But I think I’m also a little too innocent for his films. I can’t handle any gross sex stuff – it freaks me out. I’m always collaborating with the Ssion, and on lots of their videos. The Ssion is the brainchild of Cody Critcheloe, an amazing artist and one of my bestest buddies who is also based in Kansas City. Here are some videos I’m in if you haven’t seen them:
How important is in your work the balance between gross and beautiful at the same time. How can you manage it?
The balance is super important to me. I try to make all of the photos super harmless, but at the same time always reference something gross or sexual. Also, any photos of people are always of people I know well. I hate exploiting people because I think that’s dorky.
Shamlessly exhibit yourself while revealing nothing, or shamlessly exhibit yourself while revealing most of it?
I think I’m revealing a lot. There’s not much more than what’s being revealed. I’m not going to act like there is much more to me than what you see.
In your images your life seems chaotic, impetuous, fast are those snapshots of that life or are they a recration of moments you had in mind?
They are all totally real moments. I never really set anything up. I simply am someone who gets bored easily and I like to find weird ways to entertain myself – like dressing up goth and going to the local cowboy bar, or crashing a wedding dressed like a fish, etc. But it’s all real – real fun!
There’s a democratic sense in your pics they are all similar in the size and format all horizontal, why this decision?
I know this is a boring answer, but it’s just because I like to stick with what I’m comfortable with. Maybe this is my OCD side? It’s weird! I can’t handle a vertical photo! What is wrong with me?!
Can you tell me the story behind your book Don’t you feel better?
Of course. About six years ago Tim Barber, the ex-photo director of Vice Magazine, asked me to submit images for an article called “An Ode to the Fat Friend”. I ended up submitting an image of myself for the article. Tim started asking me to submit more self-portraits, and I told him I didn’t take self-portraits. But when I looked through all of my old images, I realized I actually had hundreds, and was taking them all the time for fun. So Tim pretty much took me under his wing, like he does for a ton of photographers, and featured me on his amazing website and I was flooded with interviews and opportunities, and through a show he curated I gained representation with Higher Pictures in New York I owe Tim so much! Don’t You Feel Better is a book Tim made of my work as part of a series of 5 artist books in the Tiny Vices series published by Aperture Press.
Usually your pictures are the kind of one you do when you are surrounded by good friends, that can see the real funny part of yourself when you’re together, is it almost like that when you are shooting?
Yes, it is totally always like that. I think that’s the real reason I love being in Kansas City so much. I have the best community of friends here that collaborate all of the time, and everyone helps each other with their amazing and fun projects. Everyone is up for anything, and they have the best sense of humor. It’s perfect for the work I do.
I love the way you show yourself it’s like if you really comfortable with your face, body and who you are, do you love yourself?
Actually no, I’m totally grossed out by myself. But I’m also totally comfortable with the fact that I’m grossed out by myself, so therefore I never really care what people think, and I’m able to do whatever I want. Plus it’s more fun to be disgusting than to look good.
I know your world is 100% in colour, can you describe me Jaimie’s world?
Yes! Jaimie’s world starts off with me going to the gym (if you can believe it), then getting a giant Diet Dr. Pepper, then working on the computer while watching VH1 reality shows on the internet, then working at the Whoop Dee Doo space with kids, then dressing up like a moron with my roommates and making plans to go out, but instead choosing to run around the neighborhood to continually scare the neighbors.
Who’s your biggest influence?
Well, Tons of cool stuff!! Let’s see… Roseanne Barr is my #1 inspiration, and yes, mostly because of who she was on the show “Roseanne,” and her infamous singing of the national anthem at the San Diego Padres game in 1990! And my dream would be to be famous enough one day so that people followed my weight loss and gain like they do with Roseanne and Oprah Winfrey. But also—John Waters, Diet Dr. Pepper, Halloween pranks, Professional eaters, watching the video for “we are the world”, and the video for “man in the mirror”, actually anything Michael Jackson has done, random goth youtube videos like the “stay” video by Shakespears Sister, this incredible public access tv show in Chicago called CHIC-A-GO-GO, Metallica, the “It’s Raining Men” video by the Weather Girls, all the VH1 reality shows, in particular- Rock of Love and Rock of Love Bus, Flavor of Love, and I Love New York, Stevie Wonder, Dolly Parton’s book: My Life and Other Unfinished Business, Roseanne Barr’s book: My Life as a Woman, Joan Rivers, Carol Channing, Carol Burnett in the movie Annie, the Circle of Life video from the “Lion King”, the movie “Aladdin”, Grace Jones, Tim Curry, Bobcat Goldthwait, Leigh Bowery, Klaus Nomi, ravers, Bollywood, Dollywood, Gallagher, Pink Floyd, Elvira, and Elvira’s new show “The Search for the Next Elvira“, and the Nightmare on Elm Street movies (I have the 8 disc series with the original 3D glasses) .
How does it feel to be related to photographers like Cindy Sherman, Wolfgang Tillmans and Juergen Teller?
Well, I totally and completely respect their work and can understand why I am compared to them or noted as being influenced by them, but I have always admitted that I am totally awful at and unknowledgeable of art history and my main influences are really what I just listed. I hope people can really see the Roseanne influence in my work. But Wolfgang Tillmans’ photographic installations are incredible, Cindy Sherman’s work is so original and has such an amazing range, and Juergen Teller’s photos are absolutely phenomenal – the color and the way he gets models and actors to pose is so fantastic.
Did you like clowns as a kid?
Yes and no – I know I was thrilled by and scared to death of Killer Clowns from Outer Space, but there is also this new “drag queen” at the drag show I go to on sunday nights – but he is sooooo not a drag queen! He is a boy dressed in tiny outfits and roller skates and a red nose and he goes by “Astro the Clown” and lip synchs to songs like “Fireflies” by Owl City, and it is the absolute freakiest, most disgusting thing I’ve ever seen. It gives me nightmares!!
What keeps you up at night?
This insane bartender lady who owns a bar where I throw dance parties. She is so insane. Oh My Gosh! She is totally on crack and repeats everything about 50 times and she is always angry and has a whole new staff every time I go there. Every time we have a party she fixates on the most insignificant thing you could possibly think of and yells at you for it 50 times in a slightly different way. I know that is not a very exciting story, but I am totally serious when I say she gives me nightmares – I dream of her repeating herself for hours and hours. Aaahhhh!!!
Do you collect something?
Friendship bracelets, clothes from thrift stores I never wear, autographs from death metal bands, fancy antique plates, plastic colored containers, Styrofoam blocks, and cool sunglasses that I also never wear.
Thinking about an old Hole’s song there’s a sentence that makes me think about you: “ I wanna be the girl with the most cake...” Do you like it?
Why because I'm Fat?!?!? Ughh!!! But I think that’s a compliment because I’m proud of being greedy and I love Courtney Love.

David Mayer Naman Campaing F/W 2010 - Styling

2010-11-28T12:47:00.000-08:00

David Mayer Naman LookBook - Styling

2010-11-28T12:42:00.000-08:00

Night of the hunter - Styling

2010-10-13T06:36:00.000-07:00

Little Faith - Styling

2010-10-10T11:19:00.000-07:00

Ernesto Esposito Campaing - Styling

2010-09-24T01:12:00.000-07:00

Bruno Magli Campaing - Styling

2010-09-21T10:49:00.000-07:00

Lerre Campaing - Styling

2010-09-21T10:47:00.001-07:00

Azzura Gronchi Campaign - Styling

2010-09-21T10:43:00.000-07:00

The Last Swim - Styling

2010-09-04T01:48:00.000-07:00

Gabriele 3 - Photography

2010-08-25T01:51:00.000-07:00

TOH! magazine

2010-07-20T02:54:00.000-07:00

X-Ray Campaign - Styling

2010-06-30T06:09:00.000-07:00

Gabriele 2 - photography

2010-06-12T02:45:00.001-07:00

Gio Black Peter: EYES ON THE PRIZE

2010-05-31T09:10:00.000-07:00

Bruno Magli Campaign S/S 2010

2010-05-01T01:44:00.000-07:00

Marcelo Krasilcic - Interview

2010-03-30T02:54:00.000-07:00

I’ve been interested in the brazilian- american photographer's work for some time, I’ve always been touched by the the simplicity, the strengh, the fun, the intimate view and the erotic impact his pictures have always had on myself . We have been emailing for some time trying to find the right time for both of us to make this interview possible, and finally we’ve found it. Glad to interview a talented photographer who had the chance to take some fantastic photos of Hollywood celebrities like Chloe Sevigny, Joaquin Phoenix, Willem Dafoe and Michael Stipes just to name some. He’s had the talent and the intuition to be one of the first photographers who have seen the birth of magazine like Purple and Visionaire and then working for Fantastic Man, Dutch, Harpers Bazaar, Arena, Butt, I-D, Nylon, Vogue, Interview, Dazed & Confused and Self Service leaving his permanent mark on fashion.

How was growing up in Sao Paulo, Brazil?
Wonderful, warm, exciting and sensual. Sao Paulo is a huge city, more then
twice the population of New York. I participated in historical protests
against the military, grew up surrounded by a profound cultural movement and spent weekend and holidays in the mountains or at the beach.

You have been raised into an Eastern European Jewish family how did that influence your vision of the world, and in particular your art?
A sense of dedication, honesty and well being are some of the most distinguished traits I got from my family. Also, my enthusiasm for form and spatial arrangement are a direct influence of my family's long tradition in furniture manufacturing and interior designing.

Do you still live in New York? Which is the side of the city you most like and why?
Yes, I am based in New York but I also have a base of operations in Sao Paulo. New York is where anything and everything can happen.

How did you end up beeing a photographer?
I was invited to take a photo course and fell in love with it,
after learning the range and depth of opportunities this new language offered.

At what age have you taken your first pictures? Do you remember your subject?
I think I was about 10 or 11 when I first shot something that was not a documentation of a vacation. I arranged some clothes on a huge antique metal and glass door with clothes pins. It looked like the clothes were running!

You have been taking pictures of celebrities like Chloe Sevigny, Joaquin Phoenix, Willem Dafoe and Michael Stipes among the others, which is the person you had hard time stop shooting because he or she was so inspiring for you?
Chloe is the celebrity I shot the most.
We first met and worked together before she did Kids.
And I have worked with her many times since then.
She is someone I hope to shoot for years to come.

Is there any person you would like to shoot but not having the chance yet?
Mandela, Obama, Louise Bourgeis, Madonna.

Any funny memories shooting those celebrities that you can tell?
First thing Joaquin Phoenix told me when we met was that he hated being photographed. Things just got better after that!

How important is sexuality in your work?
Very important!

I really love the way you photograph people and it seems that people like to be photograph by you. How do you create this connection?
I love to photograph people, I try to make everyone fell welcomed during my shoots.
My goal is to create a great photo and I think people get enthused by that.

How do you make them feel comfortable?
I try to create a relaxed atmosphere, show genuine interest, and pay
attention to every detail from food to music, temperature and cast.

How do you consider the role of a phototgrapher? Have you ever felt the honor and the weight that some of those people you have shoot would have been remember forever with your pics?
I am way more concerned with creating an image that gets me excited then its future repercussions.

Can you tell me some nice memories you had during some of your shootings?
Shooting in beautiful Tahiti changed my life. If I ever had any doubts,
being there confirmed how cared for and protected I am.

Every photograph looks like a great time. Are you ever not having fun?
Shooting is always great fun.
Some pre and post production aspects can be less pleasant but I am a pretty upbeat guy.

What attracts you to the people you shoot for your projects? How do you choose them?
Sometimes it is their talent, beauty or nakedness.
Other times it is how much money I am making.
The choosing is different for every project.
I mostly have a lot of control.
At times it is decided by the client or magazine and I together.

What kind of music you like to listening to when you are shooting?
Mutantes, Caetano, Neil Young, Rolling Stones, Nina Simone, INXS,
Clarence Carter and some samba.

You have been travelling all over the world in many beautiful places
which is the place you’ll never have enogh of shooting there?
It has to be Trancoso which is a paradise I have been going to at least once
or twice a year for the last 7 years.

You have done some short movies too, how do you enjoy this different way of expression?
I love doing videos and movies. The process of creating still and moving
images is becoming the same. The post production can be gruesome, though.

You are one of today's most renowned fashion photographers you
contributed to the early efforts of magazines like Purple and Visionaire, to Fantastic Man, Butt, Dutch, Harpers Bazaar, Arena, I-D, Nylon. Which is the things you like most about shooting fashion?
I am inspired by great design and the experience of having a talented crew
creating together.
I also like the idea of inadvertently creating fashion documents that with time will show the character of a specific era.

Many big fashion magazines are closing down, do you think the web magazines can replace the paper?
I believe paper magazines will always be around but also that web magazines and blogs have already eaten a big chunk of their market.

Is there any photographer you really admire?
Nan Goldin, Larry Clark, Nobuyoshi Araki - I am old school!

Any dreams for future projects?
I will be lauching Pillowland's website in the next few months.
Pillowland is set to become one of the world's favorite vacation spots.
Krazy Chic Tours (providing visual tours for the whole family!) will
exclusively chart tours to Pillowland.
I am also shooting the Brazilian issue of Electric Youth that's coming out in the spring of 2010. And I am publishing a book with work from the 90's. It is an intimate portrait of the 90's with a mix of nudes and interiors and a dash of fashion and portraits. It is a dream come true!

Enrico Lugani Campaign S/S 2010 - Styling

2010-03-30T02:02:00.000-07:00

Ernesto Esposito Campaign S/S 2010 - Styling

2010-02-18T03:02:00.000-08:00

Terence Koh on Flaunt Magazine #107

2010-02-17T02:41:00.000-08:00

My friends from Flaunt Magazine, by the fact I admire Terence and his works sent me this article like something I could appreciate and put on my blog and...they were right!

Terence Koh: The Grayscale Universe of a Post-Media Artist Written by Maxwell Williams

It was easier to remember the beginning of my three days with the artist Terence Koh than the end. In the beginning: there is a bedroom-sized restaurant in Chinatown called Brown, where I meet Koh for dinner. “I have no brains,” he says exhaustedly. “Ilost all my brain cells.” It’s the week of the opening of Performa 9, the performing arts biennial in New York for which Koh is giving multiple performances. This part is true. I remember thinking it odd that Koh would meet me at a place called Brown, given I had just watched a conversation with him from his YouTube project, “The Terence Koh Show” (2008). In it, Koh says, simply, “I hate color.”
We eat pike and share a flourless chocolate brownie with vanilla gelato, then grab some beers (for me) and cranberry juice (for Koh) and move over to Koh’s apartment to continue the conversation. At the bottom of the stairs are a cluster of shoes and a sign that says SHOES OFF FAG. “I’m germaphobic,” explains Koh sheepishly. Or maybe he’s not. “Actually, I like to torture people. I like to watch them take off their shoes. Especially ladies. They’re usually in high heels when they come. They get pissed off because it’s part of their outfit.” From there, up the white stairs into the rabbit hole of Koh’s apartment we go. Here, as is true of a decent percentage of Koh’s artwork, it is dominantly white. Nestled in the cracks of the white linoleum floor is a human skull; the taxidermied albino peacock you see on this magazine’s cover sits in a glass vitrine by the white wall. A white couch, a white table, Terence Koh, dressed in white. We begin the interview. “I’m having tea,” says Koh. But maybe I saw him pouring a vodka and cranberry juice. “No. I’m having chamomile tea.”
“Probably, yes,” says Koh when I ask him if he will answer truthfully to the questions I ask him.
Things can be interpreted in different ways in his life and art, an ambiguity that I admire more and more in Koh’s work. It’s not always threadbare like some shows at galleries and museums, where you walk in and you pick up the one-sheet artist’s statement and you easily connect the dots between process and concept, medium and intention. It’s the contrary for Koh’s art—you have to work for it. To prove this, all I need to do is look to my right, where Koh’s two mini-refrigerators [one of which may or may not be broken and which may or may not contain the cranberry juice in which Koh may or may not have mixed vodka into] and his microwave are fit like Tetris into several of Koh’s famed vitrines from his Kunsthalle Zürich show in 2006.
In the vitrines—which remind me of Kinder eggs with prizes inside—are objects purchased while thrift store shopping in Berlin, all painted white. What are they exactly, other than glass boxes with trinkets inside? “I am purely a conceptual artist,” says Koh, with infinite irony. So, maybe then it’s the space in between concept and beauty, or maybe it’s the space between post-minimalism and irony, that Koh exists. It’s a start. But, where does it all come from?
What we do know about Terence Koh is he was born in either Beijing or Singapore or Malaysia or Vancouver. Somewhere on Earth, probably. Let’s say China, 1980, because that’s what it says on the website of the gallery that represents him, Peres Projects. He studied architecture, and was one of Zaha Hadid’s star assistants. His early work was made under the nom de guerre asianpunkboy, and mainly existed as a website full of poems and pornography. Wikipedia says he was raised in Mississauga, Ontario,
a suburb of Toronto. asianpunkboy died when Terence’s work became a hot commodity, around 2003. See, if anything is certain, Koh is the poster boy for contemporary art. He is, for lack of a better term, what Picasso, Duchamp, Warhol, Basquiat, and Gilbert & George were before him: a fully formed “art star.” What that means is, again, open to interpretation and argument. He is not part of any categorical art movement, and his work sells for a lot of money. He is Asian and he is gay and he was married this summer to a graphic designer named Garrick—who designs all his art books—and he lives on Canal Street. He has ten fingers and ten toes and he doesn’t pronounce the “h” in “th.” He “tinks” about “tings.” He is a very good artist. Or a very bad one.
In 2007, Marc Spiegler wrote a rather baiting article, albeit well-written and entertaining, treating his New York Magazine readers to a spectacle of excess (a document of Koh and his dealer Javier Peres on a shopping spree) and of semi-open insider art dealings (it cost $400,000 to create the 1400 vitrines for the Kunsthalle Zürich show). He documented Koh’s usage of bodily fluids (a gold-plated collection, including Koh’s excrement, sold for $500,000).
Given that the article was called “Is Terence Koh’s Sperm Worth $100,000?,” it is more a critique of the art market’s treatment of a young artist, or a subtle jab against decadence in the art world, than it is a profile of Koh. In fact, Koh hardly shows up in it, as if to reiterate that it’s hard to pin him down.
On the other hand, London’s Serpentine Gallery’s Co-Director of Exhibitions and Programmes and Director of International Projects, Hans Ulrich Obrist (the #1 most powerful man in the art world, according to ArtReview Magazine’s much derided, yet often discussed, Power 100), has followed Koh’s career for some time now. In an e-mail, he explains to me what he thinks of Koh’s work. “[I’m interested in] the utopian dimension and obvious proximity with the notion of Gesamtkunstwerk,” says Obrist, using an art historical term translated as “comprehensive artwork,” referring to Koh’s all-encompassing practice in the post-medium situation.
“Terence Koh does everything: he does books, he does boxes, he does exhibitions, he does Internet, he does performances. He does specific installations, but he also does what Gilbert & George call ‘art for all.’” Obrist goes on to talk about Koh’s main influences: Warhol and Yoko Ono. Fame is a word often associated with Koh. Ono was very famous, too, but weird. Maybe that’s what ties them all together. They’re all Gesamtkunstwerk-ing weirdos.
As I sit in front of Terence Koh at his kitchen table, I quickly understand my interview with him will be much more of a conversation. It will be less of the dialectic he and Obrist recently had (also on YouTube) and definitely not investigative or unpleasant. He speaks softly when he admits he doesn’t allow very many face-to-face interviews—perhaps as a result of Spiegler’s less-than-flattering look into his world—preferring to conduct them through e-mail. Koh puts on John Cage’s “Music for Two Pianos.” Other than that it is eerily quiet. Koh even notes that we are being extremely “civilized.” But it could be even more so. “Ideally,” he muses, “that would be a perfect life: to be in an all-white room and to have nothing but a bed and all my groceries would be brought in a little pill.”
Regardless of our civility, we end up discussing everything from New York artist Ray Johnson’s suicide (“I like artists’ lives more than the artists’ work.”) to George Michael’s art collection (“One of my goals in my life is for George Michael to collect a Terence Koh piece.”) to meeting Madonna the night before in the Standard Hotel’s Boom Boom Room (“She was grinding on me!”). He sings me an aria from “Adansionias, A Tragic Opera in 8 Acts,” a recent project he did in Paris.
He is extremely intelligent and knowledgeable about art history and can expound upon his work like few other artists, but his lost brain cells keep him taciturn for the most part tonight. “I forgot the question,” he says. “I’m being a difficult interview.” Suddenly, the interview devolves into yes and no answers. And then he starts to just say “yes” to everything. In a video from “The Terence Koh Show,” Chinese artist Zhang O asks Terence if his Chinese name is Ming Fing Ling. I ask him about that. “I guess that’s my name,” he says, giggling as though he’d never heard it before. “I like the way it sounds.
“I don’t intentionally make things vague and inconsistent,” he continues. “It’s as truthful as I can be. It’s what I remember. I just want to make things more honest. It’s like Indian myths and folklore. It’s just as truthful as the rain falling down.” Then, Koh tells me about why rain falls. It’s because of a white polar bear that he says died in Ontario. An Indian chief who wanted to show his prowess killed the bear. The bear’s tears are the rain.
The next evening, Koh and I, along with his assistants Alex and Val take a car to the Brooklyn Museum. It is sprinkling outside, but unseasonably warm. When we get there we are herded into a tiny storage closet in the education center of the museum, where Val applies full black body paint to Koh, who is in a black leotard and matching black sheer tights. I have offered my assistance and will be Koh’s videographer.
When Koh is fully blackened, Alex and Val, also in black, put on long black wigs backwards so as to cover their faces, like a pair of heavy metal Cousin Its. I am told by the museum to get Terence at exactly 9:30 p.m. I am told by Terence to stall. Finally at about 9:45, a museum staffer comes to get Koh. I try to tell her the paint is still drying, he’ll come out soon. She makes it clear she’s not leaving the room without him. Koh, the diva, steps in. “I’ve been doing this so long,” he says. “I’ll go out when I go out. That’s how it works.”
When we emerge from the storage closet, the lights in the museum lobby have been dimmed. Koh positions himself behind a makeshift DJ booth, lights some strobes and starts pumping techno music at the art-seeking crowd. “DANCE!” he commands into a microphone. The Cousin Its try to pump the crowd into a frenzy, but little works. “DANCE!” he shouts again. But it seems the people at the museum are there to watch a performance, not be participants in one. This is Terence Koh, after all, the man who says he’s interested more in “artist’s tricks than in artists.” Maybe would-be ravers feel duped. It’s probably just the denizens of Brooklyn not wanting to look uncool. Then, just as I sense people are starting to feel the pulse of the beat, Koh breaks off from the DJ booth and enters a roped-off circle of heroic Rodin bronzes, where he does a Butoh-inspired contortion dance. With the bright lights on him, a circle forms around the statues and watches Terence warp his body. It’s truly beautiful, especially through a camera.
Later, he leans into me and says, “That part wasn’t supposed to be good.” It’s an awkward moment for me. I truly thought it was good, even if he deflects the connotation.
At the end of the night, we go our separate ways, and I am somehow holding a black balloon in my hands. This is when things start to get fuzzy.
A photo shoot is happening in Asia Song Society. ASS, as it is almost only referred to, is Koh’s art gallery just below his office, which in turn is below the apartment I interviewed him in 48 hours previous. Val is painting Terence again—white this time. The albino peacock is being photographed, along with Koh, who looks like a cross between an African tribesman and a Mayan warrior. He hooks the peacock’s tail to his custom-made white Ralph Lauren bodysuit he received from Fischerspooner’s Casey Spooner.
“I have done this more times than you can imagine,” Koh retorts when I remark about his willingness to perform for the camera. He stands on a chair and contorts himself to the point where I’m ready to jump if he falls. He leans against the wall and let’s out the most ferocious silent scream. And I can’t remember the rest. Perhaps his scream sent us all into a state of hypnosis, like a siren’s call.
I fly back to Los Angeles and begin to think about my trip. I’ve known Koh for a little while now, and I’ve seen a few of his performances (and even one “non-performance” in Miami at Art Basel). I saw his infamous Whitney Museum show, where he aimed, in his words, “the brightest light possible” at the entrance of the museum. It was, according to him, an “outpouring of white love.
It was my hippie piece to New York.” I felt that love back then, even if the light was so bright I couldn’t see right for several hours after. It embodied what Hans Ulrich Obrist later confirmed to me: Koh’s “utopian dimension.” The white pills, the white room, the white walls of art.
Maybe his bright beam of love mesmerized Aarons, Saatchi, Frahm… Did he cast a hypnotic light spell on these bastions of the art world? Obviously those collectors mentioned are very rich, very thoughtful white men, who are able to make
a purchase based on taste rather than value. Because it’s hard to say if Koh’s artistic bon mots can sustain their individual value on the primary market. In all honesty, I’d rather see Koh’s work exist in an institution, breaking down the white walls of the museum gallery, than languishing in a collector’s warehouse in Paris. They deserve to be experienced. They trigger something in us that whisks us away to a place where we are alleviated from our earthly contraptions. “I believe,” says Javier Peres, owner of Peres Projects, over an e-mail late one night, “a primary influence of Terence’s work is its ability to empower the viewer, including other artists, to explore the art-making process to its fullest and to create art in response both to the world around them, but also to what is inside them.”
The grayscale world in which Koh lives is not so black and white. A complex lineage of abstract, post-minimalist work clashes in the air above him, forming singing clouds, the precipitates floating down in a snow blanket of operas and sculptures, performances and bunny heads. Something Terence said while sitting in his kitchen echoes in my mind: “When I create something, it just pops up in my mind.”

Sabrina Impacciatore - Styling

2010-02-12T05:29:00.000-08:00

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2010-02-10T08:30:00.001-08:00

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2009-12-04T12:21:00.000-08:00

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2009-09-21T08:00:00.001-07:00

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2009-09-21T07:56:00.000-07:00

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2009-09-17T05:36:00.000-07:00

Florence + the Machine - Photography

2009-09-17T05:32:00.000-07:00